Jean-Luc Godard
Godard es uno de los miembros más influyentes de la “nouvelle vague”, a la vez caracterizado por su acidez crítica y por la poesía de sus imágenes, analizamos tres de sus obras fundamentales centrada en personajes femeninos de las cuales pueden formar un tríptico, aunque se considero siempre que la “nouvelle vague” era un cine eminentemente de autor y no de estrellas muchas veces los personajes que estos directores crearon tenían tanta fuerza que se convirtieron en rostros reconocidos y con personalidad e imagen muy definida como es el caso de Anna Karina.
Vivir su vida (1962)
La película tiene mucho del “Cinema Verité” y documental cuando este empezaba a poner se de moda , se puede decir que la película es el documental en la vida de una mujer que toma decisiones respecto a su forma de vivir sin explicar ni justificar nada.
Película de diseño acompañada de un contenido trágico y poético de una vida que es mostrada, una vida que no es muy explicada ni analizada, tampoco nos permite juzgarla porque es “SU VIDA”, las decisiones que toma el personaje de Nana son de ella, como su forma de vivir, el director solo la retrata y nosotros la vemos sin juzgar nada.
Karina interpretó a Nana, una madre errante y aspirante a actriz cuyas circunstancias económicas la llevaron a la vida de una prostituta. Es un relato de doce ,cada uno precedido por un intertitulo escrito episódico para demostrar que es libre, a pesar de que está atada de su proxeneta.
El director nos muestra una obra moderna, inventiva y con todas las características de la nueva ola, de forma astuta muestra la película como una colección de errores para estar en sintonía con el movimiento, errores que se sabe que no se deben de hacer en el cine, el sonido para llamar la atención, presenta a los personajes por primera vez de espalda, la cámara sigue al personaje fuera de campo y jump cuts sin orden con saltos en el tiempo y ruptura de continuidad creando lo que se podría decir una poesía imperfecta. Pero no nos engañemos se trata de una obra muy cuidada, muy estudiada y esta fotografiada con una cámara Mitchell pesada, a diferencia de las cámaras ligeras utilizadas para películas anteriores.
La película también esta influenciada por cineastas como, Robert Bresson , Jean Renoir y Carl Dreyer, una de las escenas más intensas y recordadas es cuando el personaje de Nana esta en el cine viendo “La pasión de Juana de arco de Dreyer y Godard hace que el personaje de Anna Karina se refleje ante nuestros ojos igual al personaje de María Falconetti en la pantalla.
La película describe la cultura consumista del París de Godard; un nuevo y reluciente mundo de cines, cafeterías, salas de billar con luces de neón, discos pop, fotografías, carteles de pared, pin-ups, máquinas de pinball, máquinas de discos, automóviles extranjeros, los últimos peinados, máquinas de escribir, publicidad, gángsters y americana . El corte de pelo bobbed de Nana replica el que Louise Brooks hizo famoso en la película Pandora's Box de 1928, donde la heroína condenada también cae en una vida de prostitución y muerte violenta.
Personaje distanciado
Godard puede haber sido influenciado por Bertolt Brecht y su teoría del " teatro épico" ya que utiliza varios efectos de alienación (efecto de distanciamiento):
-Aparecen doce intertítulos antes de los 'capítulos' de la película que explican lo que sucederá a continuación.
-Los cortes de salto interrumpen el flujo de edición
-A los personajes se les filma por la espalda cuando hablan y fuertemente iluminados
-Hablan a la camara directamente y se utiliza la voz en off en las escenas dramaticas o determinantes.
Brecht quería "distanciar" o "alienar" a su audiencia de los personajes y la acción y, a fuerza de ello, convertirlos en observadores que no se involucrarían ni simpatizarían emocionalmente o empalizarían identificándose individualmente con los personajes psicológicamente; más bien, quería que el público entendiera intelectualmente los dilemas de los personajes y las irregularidades que producían estos dilemas expuestos en sus tramas dramáticas. Al estar así "distanciado" emocionalmente de los personajes y la acción en el escenario, el público podría alcanzar tal nivel intelectual de comprensión (o empatía intelectual); en teoría, aunque alienadas emocionalmente de la acción y los personajes, estarían empoderados a nivel intelectual tanto para analizar como quizás incluso para tratar de cambiar el mundo. que era el objetivo social y político de Brecht como dramaturgo y el motor de su dramaturgia.
El desprecio (1963)
"Obra comercial pero altamente personal"
Drama de Nueva Ola francesa escrita y dirigida por Godard, basada en la novela italiana de 1954 de Alberto Moravia. Protagonizada por Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Jack Palance, Georgia Moll, Fritz Lang.
Paul Javal es un joven dramaturgo que ha tenido un éxito comercial en Roma acepta una oferta del vulgar productor estadounidense Jeremy Prokosch para elaborar el guion de la adaptación cinematográfica del director alemán Fritz Lang de “La odisea”.
Para el papel femenino se considero un numero de actrices que el director rechazo , kim Novak , Sophia Loren , Mónica Vitti hasta finalmente se eligió a Bardot debido a la insistencia de la producción en que las ganancias podrían incrementarse mostrando su famoso cuerpo desnudo sobretodo en los E.U.
Godard admitió haber cambiado la novela original pero con pleno permiso de Moravia el escritor de la novela original, sus cambios se encuentran enfocar la acción a solo unos pocos días y cambiar el personaje del escritor que era un ser tonto y suave y se ha hecho más estadounidense algo así como el tipo Bogart.
El desprecio gira en torno a la grabación de la película La odisea. Los realizadores son: el productor, personificación del poder económico en forma de macho alfa, Jerry Prokosh (Jack Palance), acompañado por su intérprete simultánea Francesa Vanini (Giorgia Moll), el director Fritz Lang, que se interpreta a sí mismo actuando de forma magistral en el papel de director de La odisea y Paul Javal, el guionista de la misma (Michel Piccoli). El productor Prokosh contrata, para reescribir el guion de la película sobre Odiseo, a Paul Javal, quien anteriormente sólo había escrito para el teatro. Javal decide aceptar la propuesta por una importante suma de dinero y así complacer a su mujer (Brigitte Bardot).
La película El desprecio es una maravillosa obra de arte del “cine dentro de cine”, se fimo en Italia donde se desarrollo sobretodo en la isla de Capri donde se rodo a toda luz natural , junto al sol incandescente de la espectacular Villa Malaparte , que con su brillo logra el efecto óptico de traspasar la pantalla.
Ya en la isla, asistimos a un Godard completamente dueño de sus recursos artísticos y de los espacios a filmar: la vastedad del mar y de las terrazas del edificio donde se reúnen, reducen el escenario a un máximo mínimo. Los personajes aparecen, ahora, como en el escenario de una tragedia griega.
Para una parte de crítica más elitista esta película era la mayor obra de arte producida en la Europa de la postguerra
No solo es la presencia de B.B. sino la de Michel Piccoli y como un homenaje Fritz Lang.
Una mujer casada (1964)
La película es la historia de una mujer, su esposo , y su amante , la mujer descubrirá que está embarazada y no sabría de quien es el hijo.
La situación se había reflejado en la película “La piel suave” de François Truffaut una película que Godard admiraba , el cineasta le escribió a Truffaut diciéndole que llevaría su película en una dirección diferente si pensaba que su proyecto era demasiado similar, sin embargo mientras que la película de Truffaut era un melodrama clásico compacto y potente Godard realiza una película explicita y modernista de estilo sorprendentemente abstracto.
Para el poderoso papel femenino eligió a Macha Méril una actriz que había hecho más que nada papeles secundarios. Macha Méril que siempre seria recordada por su interpretación de Charlotte una mujer cándida, superficial que se debate entre dos hombres como Nana, Godard no juzga en ningún momento, ni trata de justificar la actitud de su personaje, tampoco para que el espectador lo haga pero en este caso es más difícil.
Une femme mariée nos sumerge durante 24 horas en la vida de Charlotte, una mujer acomodada que busca el amor como una Gertrud moderna (más cercana y humilde, menos exagerada en su tormento) que se divide entre su marido y su amante.
Godard nos separa estéticamente los momentos de intimidad de los pasajes más superficiales y rutinarios, mostrando los primeros a través de unos primeros planos estáticos, casi bressonianos, que cautivan por su belleza, con un extraordinario cuidado de la composición, enfocada hacia la indagación del cuerpo femenino.
El personaje de Charlotte nos recuerda en muchos momentos, inevitablemente, la Nana de Vivre sa vie, a pesar de que las características sociales y psicológicas son totalmente distintas. Sin embargo, ambas películas forman un díptico perfecto que escudriña en el alma femenina. exploración de la libertad y la responsabilidad.
Aunque no es tan conocida como “Vivir su vida” o “El desprecio” esta es una película eminentemente inteligente y audaz en su narrativa.
La trama está ubicada en París se desarrolla a lo largo de unas veinticuatros horas y está enmarcada por los dos encuentros que Charlotte mantiene con su amante , el primero de ellos en un apartamento y el segundo es una de las habitaciones del hotel del aeropuerto de Orly.
Una sobria puesta en escena, destaca por las texturas y para las escenas de la cama que nunca son explicitas se capta planos detalles del cuerpo femenino y breves primero planos.
Godard muestra con el personaje de Charlotte toda la influencia de la publicidad en una ama de casa burguesa y su alienación muestra como a mediados de los 60 la imagen de la mujer estaba ligada a un vida llena de consumismo hedonista percibido como un lavado de cerebro mostrando literalmente el negativo de una imagen publicitaria. Yuxtapone imágenes y eslóganes publicitarios con la vida cotidiana hace que el segundo sea el resultado del primero y parezca una profunda vulgaridad a mas Charlotte es mostrada como una persona deshumanizada. La unión de los cuerpos con el amante aparece fragmentada evoca al estilo del cubismo pero no solo es un ejercicio estilístico sino es el símbolo de la fragmentación de la conciencia, la fragmentación de los efectos el vacio de las mentes inducido por una propaganda y publicidad hedonista que puede llegar a transformar las mentes.
La película se presento en Venecia en 1964 fue bien recibida y en competencia con la película en color de Michalengo Antonioni “El desierto rojo”, al director italiano le gusto mucho la película de Godard y declaro públicamente su admiración por el autor.
Su tratamiento temático era muy atrevido para su momento la infidelidad de una mujer en el ámbito burgués y a diferencia de “La piel suave”, es el personaje femenino quien toma las riendas de la situación sentimental ,Godard tuvo que cambiar el título original de la película que en un principio era “La mujer casada” por el de “Una mujer casada” para poder estrenarla debido a que la censura de la época pensaba que el primer título daba pie a la equivocación de que todas las mujeres casadas son infieles algo que no sucedería con un titulo más concreto y unipersonal.
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