Carl Theodor Dreyer
El directo de cine danés, considerado por la crítica como uno de los mejores directores de la historia del cine y uno de los más representativos del cine europeo, nunca perteneció a ningún grupo en concreto ni realizo manifiestos, sin embargo creo su obra más conocida “La pasión de Juana de Arco” para muchos una de las mejores peliculas de la historia del cine. caracterizado por su austeridad emocional en sus personajes sobretodo en el cine sonoro , un ritmo lento y un estilismo marcado por la sobriedad , sus obras no fueron éxitos y fueron muchas veces tachados de “extrañas” , aunque si gozaron de prestigió , fueron reivindicadas con los años convirtiéndose en obras maestras del cine europeo.
La pasión de Juana de Arco (1928)
"Dreyer , quería despejar el escenario cada vez que Falconetti necesitaba actuar en una escena emocional lo que permitía concentrarnos sin distracciones" .
Dreyer llego a París en un momento en que la vida cultural artística en la capital francesa era especialmente rica y estimulante no solo en el surrealismo con el manifiesto de André Bretón, sino el vanguardismo caracterizado por el dadaísmo y Luis Buñuel que había estrenado su primera obra “Un perro andaluz”.
Estas nuevas vanguardias artísticas habían sucedido al futurismo, el expresionismo y el impresionismo, además era en Francia donde llegaban las más insólitas peliculas procedentes de todos los países europeos. Pese a toda la efervescencia artística que reina en París, Dreyer no era un hombre que le gustara participar de corrientes y modas culturales, menos firmar manifiestos, era un autor que se mantenía al margen de escuelas o grupos, sin embargo asistió a la proyección de “El acorazado Potemkin” y vio varias sesiones de “Napoleón” de Abel Gance , la cual le impresiono el realismo de las escenas de batallas y tuvo ambas peliculas como sus mayores influencias .
Película de encargo
Pero el motivo de su estancia en Francia era el rodaje de una película por encargo de la productora “Société Générale des films” para un film histórico y tenía que elegir entre un guion sobre una heroína francesa María Antonieta, Catalina Médicis o Juana de Arco, el director decide hacer su film sobre el personaje de Juana de Arco, porque podía desarrollar los temas que siempre le había preocupado y tratado en su cine la intolerancia y concretamente la opresión de una mujer por manifestar sus creencias y convicciones.
Dado que poco antes en 1925 el escritor francés Joseph Delteil había tratado el tema de Juana de Arco, en una biografía se le encargo la redacción del guion, pero este no gusto a Dreyer quien prefirió trabajar con el historiador Pierre Champion especialista en el personaje, quien le aconsejo basar el guion según las actas y el expediente del proceso que tenían mayor rigor académico y realizar un drama más personal, más humano que los tratamientos épicos.
En el caso del personaje de Juana de arco las circunstancias cambian de alguna manera, en Francia es considerada como una heroína nacional y un símbolo del país pero el tratamiento que Dreyer sería completamente diferente e insólito lejos de la mitificación y del tratamiento de heroína de la épica nacional francesa , la presenta como un ser humano con sus miedos , sufrimientos y su propio drama personal.
Dreyer con los documentos originales del proceso y la información necesaria decide para el guion concentrar los 29 interrogativos en un solo día, el 30 de mayo de 1431 el día de su muerte , recreando todo en el Palacio de Justicia y la Plaza pública de Rouen .
Pelicula de primeros planos
Para el papel de Juana, Dreyer eligió a la actriz teatral Marie Falconetti , en su única actuación para el cine a menudo catalogada como una de las mejores en la historia del cine, la dirección de actores es asombrosa y pocas veces se ha visto una interpretación como la de la Falconetti.
En búsqueda de la autenticidad de la caracterización del personaje ninguno de ellos uso maquillaje, todo lo que vemos es autentico no hay maquillaje, ni pelucas, ni postizos, ni trucos de ninguna clase, los rostros aparecen desnudos a la exploración de la cámara para filmar hasta los más mínimos detalles.
La productora le permitió tener libertad no solo para elegir a su equipo artístico sino técnico y para eso hace venir para la fotografía a Rudolph Maté y al escenógrafo Hermann Warm el famoso escenógrafo de la película alemana representante del expresionismo “El gabinete del doctor Caligari” a pesar de ser un autentico expresionista el estaba abierto a todo tipo de innovaciones.
Se apuesta por tanto un vestuario y una escenografía austera lejos del barroquismo decorativo de producción de contenido histórico, decorados completamente desprovistos de cualquier tipo de ornamentos (decoración simples y grandes superficies blancas).
El escenario era simple pero muestra la arquitectura medieval que retrata de manera real la prisión de Rouen , la intención de esta depuración al máximo resaltar el conflicto dramático y psicológico sin distracción.
El film está planificado casi en su totalidad a través del primer plano y en los momentos de mayor intensidad emocional en primerísimo primer plano y planos detalle del rostro de los personajes, “es una continua serie de primeros planos”. Este trabajo de cámara era muy poco convencional, porque radicaba en los rasgos faciales de los actores completamente desnudos, el acercar la cámara al máximo era un hecho para conmocionar al público.
“Es una película experimental un verdadero ejercicio de estilo en técnica y temática”
El estreno de la película
En su estreno en Francia, durante su primera proyección privada para directores y gente de la profesión fue considerada excepcional y tuvo gran éxito. Pero tuvo problemas con la censura y exigió la supresión de algunas secuencias por su excesivo “realismo”, en el estreno general en el cine Marivaux se presento una versión mutilada por la censura, ya que ciertos pasajes no gustaron al clero por ser demasiados severos con los hombres de la iglesia.
En su estreno general la acogida fue fría pero sucedió algo que favoreció a la película en cierto aspecto , genero cierta polémica y protesta por parte de organizaciones católicas y de la ultra derecha, que se quejaron del tratamiento que le dio un director extranjero a una heroína francesa por excelencia, provocando cierto recelo al sentir patriótico de la gente.
Los nacionalistas y la ultra derecha católica se opuso a la película, por el hecho de que Dreyer no era ni católico ni francés, aunque autores como Jean Cocteau defendieron la película y a su director comparándola con El Potemkin de Eisenstein.
Estrenada en 1928 en Copenhague fue acogida con frialdad y tan solo estuvo cinco semanas en cartelera, no llego a tener el éxito comercial, su fama solo aumentaría con el tiempo hasta llegar a ser considerada como la última de las grandes peliculas silentes de la historia.
Vampyr (1932)
“Es una película de terror mas poética, que jamás se haya hecho llena de extraño y sutil erotismo”.
Dreyer fue a Inglaterra para aprender las técnicas del cine sonoro y decidió crear una historia basada en lo sobrenatural y junto al escritor danés Christen Jul escriben una historia de vampiros ya que estaba de moda en ese momento tanto en Londres como en Nueva york la versión de “Dracula” que se presentaba en el teatro con gran éxito en 1927.
En ese momento en Francia había un pequeño movimiento de cineastas vanguardistas como Luis Buñuel y Jean Cocteau cuyas peliculas eran financiadas por gente con títulos nobiliarios. El cineasta ante el fracaso comercial de “La pasión de Juana de arco” empezó a buscar financiación privada creando su propia productora y conto con la financiación de un joven aristócrata el francés Nicolás de Gunzburg quien deseoso de trabajar en el cine entro en contacto con Dreyer financiando la película y apareciendo como protagonista del film bajo el pseudónimo de Julian West.
Dreyer y Christen Jul basaron su historia en una colección de cuentos sobrenaturales de 1872 del escritor irlandés Sheridan Le Fanu “In a Glass Darkly” concretamente en “Las criaturas del espejo”, “La posada del dragón volador” y la muy conocida “Carmille” obra pionera del vampirismo literario.
El guion no era una adaptación lineal de esta novela sino recreación entonces su estructura , el desarrollo de la acción , los personajes y sus relaciones constituían una invención del propio Dreyer y de Jul.
Ubicaciones y ambientación para una pesadilla
Las localizaciones del film eran absolutamente naturales, salvo el cementerio recreado al aire libre por el escenógrafo alemán Hermann Warm , los lugares naturales elegidos para rodar fueron un antiguo castillo deshabitado , un viejo molino ,una fábrica abandonada que según Dreyer eran dignas de la imagen de Edgar Allan Poe en el extrarradio , la casa de un médico rural y una posada a orillas de un rio que se situaban no muy lejos de París.
Para el castillo se quería simple e irreal, lúgubre y tranquilo y se encontró el Castillo Courtempierre de Loirel.
Los decorados de Hermann Warm, el creador de los escenarios de “EL Gabinete del Doctor Caligari” utilizo la línea del expresionismo pero esta vez de forma muy distinta, utilizando decorados de aspectos oníricos.
La extraña y perturbadora ambientación de la película es gracias también a la fotografía de Rudolph Mate que utilizo un tono blanco en la fotografía dando una apariencia borrosa, Dreyer quería experimentar esa imagen para recalcar la disolución de la realidad.
Pelicula de terror psicológico
Un joven viajero, Allan Gray, un estudioso de ocultismo se aloja en un extraño castillo, cuya atmósfera densa y enrarecida recuerda la de las pesadillas. El joven comienza a tener espeluznantes visiones, de las cuales la más terrible es el descubrimiento de una mujer inconsciente que ha sido atacada por un vampiro en forma de bruja y todo el pueblo de Courtempierre está bajo la maldición de un vampiro.
Dreyer quería crear en la pantalla un sueño despierto y mostrar que el espanto no se encuentra en lo que nos rodea sino en nuestro propio subconsciente, para lograr esto se necesitaba una narración onírica con mucho de narración realista. “Vampyr” es un sueño con los ojos abiertos y está más próxima al gótico y fantástico nórdico germano que al británico.
Película sonora
El deseo del cineasta de utilizar las nuevas posibilidades técnicas que le ofrecía el sonoro le indujo a registrar las secuencias de diálogos en tres idiomas diferentes francés, ingles y alemán además de incorporar la banda sonora como narrativa de la historia, pero la película estaba aun dentro de los parámetros del cine silente con muy pocos diálogos y muy superficiales con respecto a las imágenes.
El acoplamiento de la banda sonora la realizo en los estudios UFA de Berlín y supuso un desafío para el director ya que está registrada como su primera película sonora.
Estreno de la película
La película en su estreno en Berlín fue un fracaso tanto del público como de crítica pero obtuvo una mejor crítica en Francia, pero también indiferencias de parte del público.
En Dinamarca obtuvo más aprecio , la critica la llamo “extraña” e “insólita” “experimental” convirtiéndose en una obra maestra de culto, pero un memorable fracaso comercial.
La película inicialmente fue rechazada como vanguardista y extraña y no se terminaba de clasificar entre película de terror o experimental.
Dies irae (1943)
"El cine sonoro ha tenido tendencia a dejar toda la imagen en favor del texto pero Dreyer en “Dies irae”, intenta la devolución a la imagen el lugar que justamente le corresponde" .
“La pasión de Juana de Arco” y “Vampyr” habían convertido a Dreyer en un director un poco menos que maldito.
El director llevo a la pantalla la obra de teatro “Anne Pedersdotter”, del autor noruego Hans Eiwers-Jenssen que vio en escena en Copenhague durante el año 1909. La obra se inspiro en personajes y acontecimientos reales y tuvo lugar en una pequeña parroquia danesa en Bergen a finales del siglo XVI la cual Dreyer creó con mucha libertad.
Uno de los temas fundamentales de la película es la opresión del individuo derivada de la intolerancia religiosa atreves de la acusación de brujería. Dreyer es uno de los cineastas que ha desarrollado con más convicción, vigor y sutileza la intolerancia como factor degradante del individuo y de la sociedad, planteada de forma directa y descarnada.
Estética de la película
La película cuenta la historia de una joven que se ve obligada a contraer matrimonio con un pastor anciano después que su madre es acusada de brujería, se enamora del hijo del pastor y más tarde también es sospechosa de brujería. Y en todo este mundo opresivo donde vive el pastor y su familia en mostrado envuelto en tinieblas.
Para eso conto con la maravillosa fotografía de Karl Andersson y un vestuario cuidadosamente estudiado, el fotógrafo creó una bella composición inspirada por la pintura del siglo XVII , los planos sugerían a pintores holandeses sobre todo a Rembrandt.
El tono general de la película es su estilo sombrío, es interesante la intensa y a la vez contenida interpretación de los actores, un estilo visual austero y mostro una de las características del cine de Dreyer de esta época un ritmo lento, deliberado, ligeros movimiento de cámara, largas tomas , primeros y medios planos.
Estrenada en Copenhague en 1943 en el momento más oscuro de la ocupación alemana de Dinamarca era un momento de crisis y convulsión donde la afluencia del publico a las salas cinematográficas era altísima y la gente quería diversión y olvidar , la reacción del público a esta película fue negativa y estuvo pocos días en cartelera.
Además tuvo criticas del publico que se quejo de la lentitud de la película, y solo después de la Segunda Mundial gano una mejor reputación.
En los E.U, también recibo críticas negativas a pesar de tener fuerza intelectual, la película es llamada “lenta y monótona” sin embargo fue catalogada de obra maestra.
Existía otro problema “Dies Irae” fue producida en plena ocupación nazi a Dinamarca y mucha gente vio paralelismos entre la quema de brujas con la persecución de judíos, Dreyer negó que la película fuera una analogía de la persecución de judíos, ya que estaba basada en una obra de teatro de 1908 y el denunciaba la intolerancia y las persecuciones religiosas del siglo XVII.
Pero corrían tiempos difíciles con los nazis y la irracionalidad colectiva que implemento Hitler , el director decide abandonar Dinamarca rumbo a Suecia hasta que acabara la guerra.
Con “Dies irae” empieza la etapa final del director pero también considerada por muchos especialistas como la más importante y mejor de su carrera donde encadena solo obras de arte.
“Dies irae”, es considerada un laboratorio de formular fílmico, “Ordet” y “Gertrud” serán las cumbres del autor.
Dos personas (1945)
La adaptación ofrece muchas posibilidades para desarrollar las ideas que contemplaba a lo largo de los últimos años una relectura de la técnica del kammerspielfilm y concentrar toda la acción de dos personas exclusivamente y un escenario único.
Debido a la ocupación alemana de Dinamarca que no solo tenía la detención de gran parte de los judíos sino también de intelectuales y personas de opinión pública, Dreyer decide salir de Dinamarca y trasladarse a Suecia donde rodaría una nueva película.
Firmo en Estocolmo un contrato con la “Svenk Filmindustri” para la adaptación de una obra de teatro del autor W.O.Somin, un dramaturgo alemán establecido en Suecia titulado “Attentat”.
Dreyer le propuso su reparto ideal a Víctor Sjöström, Anders EK y Gunn Waallgren unos actores jóvenes y muy poco conocidos pero la productora tenía otro criterio y ya tenía dos actores contratados que estaban obligados a darles trabajo George Rydeberg y Wanda Rothgarat que no eran del agrado del director y los consideraba inadecuados para los papeles.
Dreyer quería dos actores jóvenes que parecieran sin experiencia en la vida conyugal, pero le dieron una pareja de actores que parecían casados desde hace largos años.
La técnica del Kammerspielfilm
La película hecha de encargo y con actores inadecuados no impidió que Dreyer utilizara todo el vitualismo técnico para desarrollar la historia en un solo espacio y con tan solo dos actores, un retrato profundo de un matrimonio cuya apacible vida tranquila está a punto de desmoronarse.
La gran intención de Dreyer fue el estilismo por medio de las técnicas del Kammerspielfilm que ya había realizado en sus peliculas silentes.
Ambientada en Estocolmo contemporáneo en un apartamento de dos personajes, un matrimonio entre un químico y su mujer , se presenta el estado psicológico y emocional de la pareja.
La película es un experimento una pura obra de cámara desarrollada en un departamento , el mundo exterior solo se manifiesta por títulos de periódicos, llamadas telefónicas , primeros planos de instrumentos químicos, transmisiones de radio y sirenas de policías esta pequeña acción va a ser progresiva y ayuda a la narrativa. Aunque parece una obra muy sencilla en su concepción no lo es, se necesita una acción dramática apoyada por la complejidad psicológica.
Presentado aparentemente como un thriller y como una película policial con cierto suspense , pero Dreyer nunca estuvo de acuerdo con ese calificativo “Mi intención no era un absoluto realizar un film policial refinado al contrario yo quería mostrar el transfundo de un conflicto psicológico , el crimen no tenía más que una importancia secundaria”.
Estrenada en Estocolmo la película había sufrido ciertos retoques que no fueron consultados al director, el trabajo del director fue retocado sin consultar, añadiendo escenas que se habían suprimido en el montaje, tampoco se le consulto sobre la música y se cambio todo el plan de la banda sonora.
La critica sueca se mostro bastante positiva ya que consideraban a Dreyer un director de alto prestigio y califico el film de insólito, y pese a sus fallos es considerada una película “experimental” pero no carente de interés. La película solo permaneció cinco días en cartel y no se intento exportar al extranjero.
Más tarde cuando se le preguntaba a Dreyer por esta película, respondía “no existe” y durante toda su vida presiono al Danske FilmMuseum ,para que no fuese programada en ninguna retrospectiva de su obra, con los años la película fue redescubierta y se incluye como parte de su obra.
Ordet (1955)
Fue la primera película de Dreyer que recibió de forma inmediata el elogio de la crítica y fue de gran éxito popular en Dinamarca.
Dreyer desde que vio por primera vez el montaje teatral de la obra del pastor y dramaturgo danés Kaj Munk en 1932, escrita en 1925, estrenada en Copenhague decidió realizar una adaptación pero el proyecto no cuajo hasta 1954.
Ya en 1949 fue realizada en Suecia bajo la dirección de Gustaf Molander, la primera adaptación de la obra en la pantalla , una adaptación bastante correcta que sin embargo no alcanzo a satisfacer a Dreyer que emprender su propia adaptación y ser más fiel a la obra.
Situada entre los campesino de la inhóspita zona oeste de Jutlandia y que gira alrededor de una joven que muere durante el parto porque que vuelve a la vida gracias a un acto de fe.
Dreyer consigue una mayor simplicidad, la sobria interpretación, los decorados simples , largos planos secuencia (hasta de 8 minutos) serenas panorámicas , travelling y el deliberante ritmo lento de la película.
Film denso de diálogos cuidados y trascendentes y temas escabrosos sobre la convicción religiosa en su máxima expresión y con un final impactante de la resurrección, la película es extremadamente compleja en su sencillez.
La película es reconocida por su cinematografía, el director de fotografía Henning Bendtsen dijo que “cada imagen es una composición como una pintura en la que el fondo y la iluminación esta cuidadosamente preparada “Considerado como una de las mejores y más importantes peliculas de Dreyer y también fue su mayor éxito comercial”.
El film plantea el viejo tema de enfrentamiento y la coexistencia entre la fe y la ciencia y uno de los aspectos mas polémicos es el fenómeno de la resurrección del personaje de Inger, la escena del milagro de la resurrección se expresa con una sensación real y terror y una intención emociónate, lo más importante son los personajes y el ambiente que se desenvuelven.
La prensa danesa e internacional la aclamo de forma unánime como una obra maestra, la película obtuvo un notable éxito público y de crítica en su estreno en Copenhague.
“Los milagros no han sido como se sabe un asunto muy abordado por el cine”.
Gertrud (1964)
La protagonista se llamaba en realidad María von Platen y se había casado con un oficial 26 años mayor que ella , este matrimonio resulto ser un fracaso por lo que María abandona el domicilio conyugal para irse a vivir a Estocolmo allí entro en contacto con un gran grupo de artistas bohemios, la historia apasiono a Dreyer que decide llevarla a la pantalla.
Vivir para el amor
Obra de teatro de Hjalmar Soderberg escrita a la “manera de Ibsen” y con la tradición del teatro de August Stindberg escrita en 1906, para la película el personaje central es Gertrud y se trata de un persona romántico.
Mujer enérgica y de carácter pero exquisito, fascinante e intelectual cuya idea del amor en su vida está por encima de cualquier otra cosa, para ella el amor lo es todo llegando a ser ciertamente egoísta e intolerante y tomar decisiones drásticas con respecto al ser amado.
Gerturd está casada sin pasión con Gustav Kanning y ella le dice que quiere el divorcio porque ha empezado una relación con un joven artista pero con el tiempo le queda corto y decide estar en una relación solo si el amos es la máxima prioridad, treinta años después está completamente sola e intransigente, sin arrepentirse de nada y firme a sus ideas, ha preferido la vida sin hombres a medio amar.
Gerturd es una mujer superior a los hombres que la rodean, una mujer libre e intelectual con una gran fuerza mental, carácter, principios personales y voluntad, es muy diferente a las mujeres abrumadas que retrataba el director como Juana de Arco, Ordet y Dies Irae.
El personaje de Gertrud Kanning es interpretado por Nina Pens Rode acompañado por Benat Rothe y Baard Owe , la película tiene como tema fundamental un caso de amor muy especial , la protagonista no se siente amada a su manera de la forma en que a ella le gustaría ser amada.
Pelicula engañosa
La intención de Dreyer era no hacer una película naturalista como era la obra en escena, sino altamente estilizada y desnaturalizada y esta vez lo que se habla es más importante que las imágenes.
Nuevamente jugó con su técnica cinematográfica de primeros planos , movimientos lentos de cámara , largas escenas sin cortar (casi 10 minutos) , muy pocos decorados y un solo único exterior siguiendo la devoción que sentía el autor por el Kammerspielfilm y el teatro de August Strindberg .
Aunque se trata de una obra con ecos de Ibsen y la independencia femenina no deja de filmarla como una tragedia pese a toda la fortaleza que posee la protagonista. No solo es la interpretación teatral contenida, los diálogos estilizados y poéticos, los personajes van como ausentes sobre todo Gertrud y se acentúa la frialdad incluso para las escenas de pasión.
Su estreno fue en París , en 1964 tuvo criticas mayoritariamente virulentas y negativas , sin embargo la critica moderna y de “Cahiers du cinema” la llamo enigmática , con un aire engañoso pareciendo ser una película anticuada cuando su tratamiento es moderno con sus diálogos e historia, pero de apariencia clásica , los críticos de la “Cahiers” militaron a favor del director y lo consideraron un cine de autor , parecía realizada por un director mucho más joven.
“Gerturd” es una película que hice del corazón pero la critica dijo que simplemente instale la cámara y fotografié personas hablando entre sí, sofás y pianos.
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