Arturo Ripstein y el melodrama mexicano/ el melodrama sin pudor

“Mis melodramas son más desarrollados y más esenciales, que el  norteamericano”.

Arturo Ripstein director mexicano hace sus melodramas con una actitud desprejuiciada  y están más cercanos al melodrama centroeuropeo sobre todo el alemán, no son como los de Douglas Sirk , para el director los melodramas de Sirk sus personajes en su mayoría tienen sus problemas cotidianos básicos resueltos, son de clase alta “Yo no he puesto nada de eso, les doy la vuelta por los barrios de la ciudad y por eso pueden resultar verdaderos melodramas a flor de piel”.

La gran diferencia es además que parte del problema base del amor o sentimental, sufren lo que es una vida cotidiana descarriada, pobreza y necesidades haciendo que los sentimientos afloren a algo superior, de forma más brutal.

“El melodrama mexicano siempre ha sido más carnal, abierto, desgarrado, sin complejos y los norteamericanos es sutil  con una forma dramática aparentemente sofisticada”

“Para el director el melodrama se suele hablar con desprecio sin pensar que viene de lo más culto y clásico el melodrama esta en Shakespeare, en Dostoievski, en la ópera y toda la literatura del siglo XIX”.

En general los films de Ripstein son oscuros y difíciles por su propia sordidez, convierte la obscenidad en arte, y siempre una total devoción sin pudor al género, sus personajes además al borde de la cuerda, los humillados, los oprimidos, los derrotados, desesperados y sobretodo de temperamento ansioso y desesperados.  

El director recupera el conocido “amour fou”, pero en una quinta o callejón popular, ese amor que va más allá de la muerte, de la moral y las buenas costumbres.

Sus heroínas que habitan en sus historias  son mujeres que tratan de luchar contra un machismo que las aplasta y una obsesión que padecen.

 “El melodrama en México se ha ido desgastando mucho, por la dudosa calidad de los melodramas que aparecen en la televisión y que se hacen llamar telenovelas, por eso Ripstein les da un nuevo tratamiento de forma desgarradora o con aparente comedia”.

El lugar sin límites (1978)

Película de 1978, basada en la novela del autor chileno José Donoso, esta era una historia que quería hacer Luis Buñuel , sobre todo por el conocido por el personaje de la Manuela, resultaba interesante para el director ya que sería la primera película con temática homosexual realizada en México, más claramente sobre la homofobia.

Cine sin límites

La novela de José Donoso, es un ejemplo temprano de un discurso sobre la homosexualidad, dentro de la sociedad homofoga en Latinoamérica. Ambientada en un México sórdido, patético y doloroso , donde el microcosmos es un prostíbulo en un pequeño pueblo ficticio llamado “El olivo”, donde sobrevive la Manuela un travesti y su hija la Japonesita resultado de un desliz, el anciano cacique del lugar Don Alejo interpretado por Fernando Soler quiere comprar el prostíbulo para venderlo con el resto del pueblo. Su intensión es comprar lotes viejos de inmuebles para venderlos a un mejor precio, utilizando la presión sobre la gente incluso dejando sin energía eléctrica al prostíbulo de la Manuela y la Japonesita.

Pero todo se tornara tensión y alterara la aparente calma el regreso de Pancho (Gonzalo Vega) un joven camionero, ahijado del anciano cacique el típico macho.

Personajes estremecedores y trágicos

Los personajes de la Manuela, la Japonesita y el sobrino del cacique Pancho rompen los esquemas del melodrama más convencional del cine mexicano.

Roberto Cobo realza su papel más emblemático, todo un icono dentro del cine mexicano tanto por este como su papel del Jaibo de “Los olvidados” de Luis Buñuel resulta sin duda lo mejor de esta película.   

Como mucho de los films de de Arturo Ripstein , la historia recrea una atmosfera sórdida y sofocante donde habitan personajes complejos y transgresores en un lugar reducido en este caso en un pequeño pueblo , en un ambiente de suma pobreza y una gran corrupción. Este lugar sin límites es caótico, lúgubre y deteriorado y donde en un prostíbulo aflora el odio, el afecto y los secretos sexuales.

Uno de los puntos centrales de la película  es el miedo a la homosexualidad en el tradicional macho mexicano, con un fuerte sentimiento homofóbico, un tema que no se había visto hasta ese momento en el cine mexicano, tema bastante espinoso donde Roberto Cobo logra momentos de gran intensidad con una caracterización realmente notable.

Una fotografía muy bien conseguida, refleja todo lo miserable del ambiente, habitaciones, las cocinas, fachadas y las calles y unos personajes muy dados a los vestidos de colores fuertes y chillones.

Una obra de arte que no escatima violencia, para demostrar el infierno en que se puede vivir cuando se es diferente, como el personaje de la Manuela enfrentado a su sexualidad y su identidad, asumida desde el travestismo, bailando en pequeños burdeles de pueblo para sobrevivir, y como el caso de Pancho un macarra del pueblo con una homosexualidad latente pero escondida que terminara por aflorar con una violencia absoluta.

La película resulto ganadora del “Premio especial del jurado” del Festival de San Sebastián

“Las miserables vida de la gente que vive en un pueblo sin luz, lejos de la civilización  se hace todavía más miserable si son diferentes”

La reina de la noche (1994)

Ripstein llamo esta película como “Biografía imaginaria” de la vida sentimental de la cantante mexicana Lucha Reyes, de esta forma se alejaba de la moda de los “Biopics” , reduciendo al mínimo todo lo referente a su vida y carrera de la quien se llamo “La reina del mariachi” y centrándose en su relación con los hombres , la narración guarda coherencia con su vida real, pero algunas están modificadas, inventadas u omitidas por el director.

Al cineasta no le gustaba las trompetas, ni el folclore charrero y es por eso que casi no hay escenas de mariachis, todo lo contrario se centra en el personaje como mujer y sus problemas mas íntimos y su relación con su madre.

Interpretado por la actriz Patricia Reyes Spíndola , quien da vida de forma muy creíble y certera a uno de los mitos de la canción popular mexicana, con una sorprendente actuación la actriz quien había sido hasta entonces desaprovechada tanto en el cine , como en la televisión mexicana, estalla aquí todo su talento , convirtiéndose en lo mejor de la película.

Ripstein , junto a su esposa la guionista Paz Alicia Garciadiego , deciden reconstruir un mito mexicano la cantante vernácula Lucha Reyes pero no hablan de su a ponderada carrera ,sino de su destrucción que paso de cantar en los más exclusivos escenarios a bares de mala muerte.

La película concentra, describe y registra algunos momentos situado en la década de 1930 y 1940, un éxito como cantante pero de vida sentimental desastrosa, influenciada de forma muy directa por su madre una mujer posesiva que regenta un burdel, un marido infiel, el alcoholismo y la neurosis.

Poderoso melodrama

A partir de esta película el director empezó a ser llamado “El Fassbinder mexicano”, por su llamado “cine de la crueldad” , y uno de sus primeros melodramas realmente perversos ya que la historia se centra en la tormentosa relación con una madre posesiva y un destino fatal marcado por el alcoholismo y la soledad sentimental.

Lucha pensó encontrar el amor y la paz gracias al encuentro con Pedro Calderón un empresario y seductor, esta piensa que la mejor manera de estabilizar su relación es formando una familia, pero la reputación de mujeriego de Pedro la enloquece de celos y empieza a refugiarse en el alcohol.

Muestra una mujer incapaz de encontrar la felicidad a pesar de haber tenido todas las claves para conseguirlo, una personalidad arrolladora, una extraordinaria voz y una gran fama, pero al ser muy sensible y vulnerable fue puesta abajo. Muestra además una familia de forma destructiva, posesiva, la fatalidad del destino de madre e hija, la culpa y la pulsión suicida.  

La critica chilena declaro “La reina de la noche debe de verse con un pañuelo en la mano”.

Y la crítica mexicana dijo “La ficción puede hacer caer en el sacrilegio de un gran personaje, pero en este caso, es de buena voluntad”.

Las razones del corazón (2011)

Coproducción mexicana-española, dirigida por Arturo Ripstein, con un guion de Paz Alicia Garciadiego quien  realiza una versión libre de la novela “Madame Bovary” del escritor francés Gustave Flaubert.

Protagonizado por la inmensa actriz Arcelia Ramírez, supuso uno de sus mejores trabajos con una imagen creada por el director para su lucimiento

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La película “Así es la vida” supuso trasladar a los medios de la actualidad una tragedia griega , ahora se atreve con el texto de “Madame Bovary”, la guionista Paz Alicia aseguro que los diálogos tenían que ser  “más grandes que la vida misma” y fue trasladada a una típica vecindad mexicana , desprendiéndose completamente de la literatura.

Emilia el personaje central es una ama de casa que vive por y para su amante un músico cubano del cual está totalmente enamorada, pero este no le corresponde y agobiada por su propia vida, fracaso matrimonial y maternidad hace culpable a su esposo y su hija para empeorar las cosas su amante la abandona.

Esta Bovary mexicana a diferencia de la de Flaubert, no está enferma, ni siente culpabilidad por sus actos, sino una gran frustración se trata de una ama de casa sin vocación, una mujer para quien la maternidad no significa la realización, sino un lastre que hay que aguantar, un marido fracasado, conformista y la sombra de un hombre que la atormenta, pero además es una mujer que no se idéntica con lo que socialmente se atribuye a las mujeres.  

Melodrama de cámara

“Las razones del corazón” es un melodrama en el mejor sentido del más clásico del cine mexicano que trata de forma cruda la soledad, la descomposición familiar y el desarraigo y tiene todas las características de una “película de cámara” gracias al excelente guion de Paz Alicia que saturo los diálogos completamente de barroquismo cargado.

La participación de pocos actores la hacen que la interpretación de Arcelia Ramírez tenga una impecable actuación , y lleve todo el peso de la historia , quien aparece en un espacio único un edificio y algunos instantes de exteriores.

No hay banda sonora y parece que no es necesario, esto obliga a recurrir con más fuerza a la interpretación característica de la imagen sin música. La sórdida simbología de los espacios húmedos, paredes manchadas, encharcadas azoteas, pisos desgastados y manchados de pintura, todos los elementos apuntan al derrumbamiento y la caída en desgracia de la protagonista.

Como en numerosos melodramas aparecen los espejos, donde la propia Emilia se enfrenta a su propia locura, su soledad y su falta de pertenencia.

El blanco y negro

El director siempre quiso rodar sus películas en blanco y negro, un lúgubre b/n con una excelente iluminación de Alejandro Cantú que convierte los espacios en atmosferas opresivas y sofocantes, un encierro. La ausencia del color impregna los niveles de claustrofobia del escenario del departamento, el edificio, los corredores, las escaleras y las azoteas.

El inconfundible estilo de Ripstein utilizando los planos secuencias con gran habilidad, combinando los planos largos y cortos con una puesta en escena minimalista y desnuda para no distraer de la actuación, comparados por muchos como “momentos teatrales”.

La calle de la amargura (2015)

Drama dirigido por Arturo Ripstein con un guion de Paz Alicia Garciadiego. Protagonizado por Patricia Reyes Spíndola, Nora Velázquez y Silvia Pasquel.

Una de las películas más bizarras de Ripstein y Paz Alicia quien adaptan un hecho real en la historia de México, el asesinato de dos luchadores Espectristo y Parkita hallados muertos en un hotel, ocasionado por dos prostitutas que los hacen beber gotas oftálmicas para dormirlos y despojarlos del dinero.

Adel y Dora son dos prostitutas veteranas en declive llenas de problemas, no se rinden y siguen saliendo a las calles a buscar clientes, Adel vive con una anciana que es su madre a la que explota haciéndola pedir limosna en la calle y Dora tiene que seguir trabajando para mantener a su marido travestido y una insatisfecha hija adolescente.

Pese al tema de la película, esta se aleja de toda lo sensacionalista para sumergirse en el rincón más oscuro de la ciudad de México. Se crea un contexto sumamente sórdido, grotesco con cierta influencia surrealista de Buñuel, utiliza la comedia negra para enseñar la desesperación humana y una decadencia casi vomitiva.

La ciudad que compone Ripstein es intensa y llena de personajes llevados al límite, además de unas calles llenas de sombras y charcos. Una cantidad innumerable de problemas derivados de la pobreza, azota las urbes mexicanas, la vida en el arrabal es una batalla diaria por sobrevivir y cualquier oficio es bueno para ganar dinero.

“Retrato una historia real, la imagen de mi ciudad mi quería y odiada ciudad, polvorosa, mugrienta, feroz, escandalosa para rodar una historia de putas y enanos en el México mas cruel”.