El cebo (1958)
Coproducción española / Suiza/germana dirigida por Ladislao Vajda que conto con el guión de Friedrich Dürrenmatt, basada en su novela.
Autentica rareza en el cine español de la época, no solo por su tema sino por ser una coproducción internacional, pero no está acreditada como una película de producción española propiamente dicha, sino solo parcialmente al realizarse junto con Suiza y Alemania, donde la censura era más flexible. Resultado una estupenda coproducción europea donde el director húngaro nacionalizado español hace uno de sus mejores films y contando en su mayoría con actores tanto germanos como suizos.
La película se trata de una serie Killer, un asesino psicópata causa el terror en una región de Suiza asesinando niñas inocentes a las que atrae agasajando con trufas de chocolate y juegos de magia.
Una niña aparece asesinada en el bosque de un pequeño pueblo suizo. Inmediatamente las sospechas recaen sobre el viejo vendedor ambulante que encontró el cadáver. Únicamente el comisario Mattei duda de su culpabilidad, pero se acaba de jubilar y deja el caso en manos de un compañero. Ya en el aeropuerto, a punto de despegar su avión, a Mattei le vienen a la mente algunos detalles contados por los niños de la escuela; decide entonces aplazar su viaje e investigar el caso.
Influencias de la película
La película traza sobre un cuento clásico y universal, el de “La caperucita roja”, pero en una versión siniestra además, está influenciada por “M” de Fritz Lang de 1931 y “La noche del cazador “de 1955, llena de intriga y suspenso Ladislao Vajda dinamita el cine español como europeo.
Uno de sus grandes meritos de la película es hacer cine negro o policiaco en pleno sol, ya que se abandona el espacio urbano y se sitúa en un bosque tranquilo e idílico, en un paramo Suizo junto a una carretera, un país civilizado. Convirtiéndose en una película adelantada a su tiempo, donde la naturaleza escabrosa bajo una apariencia de paz y comunidad idílica donde pueden ocurrir terribles sucesos y esconder monstruos, se adelanta años luz a las teorías de David Lynch aficionado, al pueblo tranquilo, infierno escondido.
Su titulo en alemán es más oportuno traducido al español “Sucedió a plena luz del día” mucho más sugerente que el titulo en español .
Reparto internacional
La película tiene tres papeles fundamentales gracias a un excelente casting, Heinz Rühmann como el inspector que da una actuación realmente sobria. Destacando el mítico actor francés Michel Simon que da una gran interpretación aunque algo corta del desdichado buhonero acusado de los terribles acontecimientos quien acaba suicidándose.
El papel de psicópata recayó en Gert Fröbe, una de las actuaciones más elevadas de la película con un carácter traumatizado, tímido y castrando prácticamente por su mujer, con una impotencia viril que hace que asesine a niña. El actor parecía haber nacido para interpretar a retorcidos villanos y cuyos papeles no son nada simpáticos para el espectador, representando a la parte ibérica la actriz María Rosa Salgado.
Después de la escritura del guión Friedrich Dürrenmatt quedo tan satisfecho con el resultado final que decide escribir una novela llamada “La promesa”, publicada el mismo año que la película en 1958 y que llevo el subtitulo de “Réquiem por la novela policiaca”, el guión que elaboro el dramaturgo era una versión muy libre de su novela y mas escabrosa que la película.
El director Ladislao Vajda que había llegado a España en los años 40 huyendo de la guerra mundial y se nacionalizo español, dirige una trama insólita no solo para la época que se desarrolla en la etapa franquista.La película de extrema austeridad, tiene una cuidada fotografía y con un buen guión solido.
Estrenada en Madrid llego a los cines en 1959, las críticas fueron buenas, pero el éxito de taquilla escaso, el público quedo impresionado y la considero como es lógico insólito, tan solo con el tiempo y los distintos pases de televisión le dieron el lugar que le corresponde.
Con tal argumenta la censura vigente en España no permitió ningún tipo de rodaje en el país, la película fue prácticamente escondida a los espectadores y no recibió ningún tipo de publicidad.
Vivian Leigh
El puente de Waterloo
Drama estadounidense de 1940 y es la nueva versión de la película pre- code de 1931 basada en el drama de Broadway de Robert e. Sherwood
Producida por la MGM dirigida por Mervyn LeRoy y protagonizada por Robert Taylor y Vivien Leigh
MGM adquirió la versión de la Universal, para producir una nueva versión pero esta vez censurada , debido al código Hays esta debía se depurada , el personaje de Myra paso de ser una corista desempleada que se dedica a la prostitución , a una bailarina de una prestigiosa compañía de ballet y Roy un ex patriado a un oficial de la nobleza escocesa.
La obra de teatro de 1930 fue llevada al cine un año después dirigida por James Whale protagonizada por Mae Clarke y Douglas Montgomery una película adulta donde el personaje de Myra debe elegir entre el hambre o la prostitución se odia a sí misma y es una víctima de la crueldad de la sociedad y utiliza un lenguaje muy crudo.
La película aprovecha el éxito el año anterior “Lo que el viento se llevo “y Taylor estaba ansioso por mostrar al público que es más que un amante afable y juvenil. Para la actriz esta era su película favorita y su mejor trabajo.
Aunque Robert Taylor hace un gran trabajo pero es Vivien que se apodera por completo de la cinta con un personaje rico en matices y emociones profundas.
LeRoy hace una película impecable, un melodrama de intensidad y profundidad, en tiempos de guerra y donde sobre sale el retrato complejo de su protagonista femenina a diferencia de los años 30 esta versión está llena de elegancia y melodrama y aunque la guerra es solo un trasfondo, aparece determinante como un tercer personaje en la historia.
La película es valiente y osada a la hora de afrontar un tema tabú en el cine americano de la época como la prostitución mostrada pese a la censura con enorme convicción, pero debido al código exigía que Myra tuviera de suicidarse después de su caída en la prostitución.
LAURENCE OLIVIER - ENRIQUE V
Adaptación épica británica en tecnicolor de 1944 basada en la obra de Shakespeare el título completo que aparecía en pantalla era “Historia crónica del rey enrique V con su batalla librada en Agincourt, Francia “
Protagonizada y dirigida por Laurence Olivier y adaptada a la pantalla por Olivier, Dallas Bower y Alan Dent.
La película se rodó hacia el final de la segunda Guerra Mundial y pretendió ser un estimulo moral para Gran Bretaña, por ello fue financiada en parte por el gobierno británico.
Suponía el debut de Oliver como director de cine, para eso recibió el encargo del gobierno de diseñar una película como propaganda para elevar la moral de las tropas británicas rodada en 1943-44 el director se sumerge en el universo de Shakespeare.
El rodaje se realizo en un momento difícil para Inglaterra durante la segunda Guerra Mundial lleva una dedicatoria especial en el inicio “A los comandos y tropas aéreas de Gran Bretaña en su enfrentamiento con Alemania”.
Esta muy bien elaborada en maquetas la ciudad de Londres de 1600 y la hace interesante es representar la obra de Shakespeare en el teatro Globo como si estuviera viendo una representación real de aquella época, poco a poco la imagen va cambiando y se transporta a unas escenas de exteriores más reales como película
La gran batalla de Azincourt maravillosamente filmada con un gran sentido épico gracias los aspectos puramente técnicos como la brillante fotografía de Robert Krasker y la excelente música de William Walton
La película comienza como una obra de teatro en el teatro Globo , trasladada a la campiña francesa donde se desarrolla la campaña bélica y la batalla.
“Pensé que era el hombre más afortunado del mundo porque por fin iba a poder transformar a Shakespeare desde las tablas hasta la pantalla, el publico de cine en gran parte nunca había estado en un teatro en su vida disfruto y entretuvo con Shakespeare, había sido dado al pueblo y nunca más seria exclusivamente para una minoría selecta”.
El propósito de Oliver era conseguir una versión lo suficientemente apropiado como para mantener los espectadores de cine en su asiento dos horas , los puristas nunca lo perdonarían por los cambios y la eliminación.
El cine es un medio visual y había que evitar el exceso del dialogo si se quería tener éxito en llevar a Shakespeare a la pantalla pero no se debía permitir que el público se pierda la poesía pero tampoco se le puede dar un atracón de ella, hay que ganar agilidad y ritmo cinematográfico. Se esta forma Oliver hace frente a una de las obras de Shakespeare mas difíciles de adaptar a la pantalla.
Olivier consiguió el éxito popular cuando había pensado buena parte de su carrera que Shakespeare no era filmable y fue considerada “un triunfo del color, la música, el espectáculo y la poesía imponente”
Con 11 meses en cartelera en Nueva York y con el Premio de los críticos de la ciudad, fue nominado por la Academia a mejor película y mejor actor, ganando un Oscar especial a la mejor producción, dirección e interpretación.
HAMLET
Adaptación cinematográfica británica de 1948 de la obra de Shakespeare dirigida y protagonizada por Laurence Olivier se convierte en la primera película británica en ganar el Oscar a “Mejor película” y a “Mejor actor” para Olivier, además del “León de oro” en el Festival de Venecia.
Resulta controvertido entre los puristas shakespereanos quien consideraron que Oliver había realizado demasiadas modificaciones y supresiones en la obra de 4 horas recortándola en una hora y media de contenido.
Era la segunda vez que el gran intérprete emprende la difícil tarea de llevar a la pantalla una obra de Shakespeare fue con Hamlet la tragedia del castillo de Elsinor en el reino de Dinamarca, pero la eliminación de personajes y las variaciones con respecto al original son bastantes más que en “Enrique V”.
Oliver elimina los elemento políticos de la obra a favor de una representación intensamente psicológica en parte por ahorrar tiempo Oliver declaro que “era necesario una gran corte” cosa que no fue muy criticada al inicio pero si por la critica posterior que presto más atención, además puso mayor énfasis en las connotaciones edipicas de la obra.
Entre alabanza y ataques al film ganaba el oscar a mejor película, mejor actor, mejor dirección artística, vestuario y decoración, mas el premio de la crítica de Nueva York , catalogada además como la mejor película por la academia británica.
La fotográfica de Desmond Dickinson hace un enfoque profundo previamente popularizado en películas dirigidas por Willian Wyler y Orson Welles
Olivier ya había interpretado a Hamlet en el Old Vic en 1937 dando una interpretación vigorosa y natural. Para el cine lo encarna con calado
emocional a Hamlet y una hondura psicológica e introspección.
Ya no era una obra que elevara la moral inglesa, ni un homenaje al teatro isabelino sino una historia más psicológica. A pesar de todo con el tiempo fue menos favorecida por la crítica posterior considerándola una hija menor de la gloriosa Enrique V.
El estilo de la película debe mucho al expresionismo alemán y al cine negro, está decorado con cavernas estrechas que corresponden a los laberintos de la psique de Hamlet, el uso de los claroscuros e imágenes lúgubres en el decorado hace que no sea teatro filmado.
El castillo de Elsinore se representa como un laberinto gigante e imponente simbolizando la confusión mental que experimenta el personaje principal.
La película fue completamente diseñada por Roger Furse, siguiendo las ideas de Olivier crea un mundo de sueño un lugar cavernoso para un drama centrado y realizar la película en blanco y negro dando una imagen más majestuosa y poética que estuviera a la altura del verso.
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