Gilda (1946)
"Si fuera un rancho me llamarían tierra de nadie"
Rita Hayworth ,era la estrella máxima de los estudios Columbia, el presidente Harry Cohn la había llevado al estrellato , sobretodo en musicales y en “Sangre y arena”, adaptación de al cine de la novela de Vicente Blasco Ibáñez, realizados en Techniclor, donde se veía su roja cabellera, su capacidad para la danza, además se acababa de casar con el director Orson Welles y es cuando se pensó en crear un vehículo perfecto para la actriz.
Era una costosa producción de Columbia que siempre quería demostrar que podía hacer grandes películas y no ser un estudio de segunda categoría , pero su intención no era hacer una segunda épica estilo “Lo que el viento se llevo” de la MGM. Para eso contrato al director Charles Vidor , la exuberante fotografía de Rudolph Maté, el diseñador del vestuario Jean Louis y en la coreografía Jack Cole.
Película de mujeres, teñida de negro
Interpretada por Rita Hayworth, Glenn Ford, George Macready, quienes componen un competente trió de actores, gracias a la dirección de Vidor.
La película es un cruce entre dos géneros, los cuales conviven muy bien el cine “noir” y las llamadas “películas de mujeres”, la película aparentemente debía ser romántica y de un amor incondicional pero está por encima de todo eso, llena de vicios, engaños, relaciones altamente toxicas, con abundantes elementos del genero noir como las luces y sombras expresionistas, personas al margen de la ley y ambigüedad moral. Con todo esto la película pertenece totalmente al genero noir y no puede considerarse una historia de amor, pese a que es arruinado por completo, por su final feliz.
“Gilda” resulto brutalmente moderna por la forma tan notable en el que se tratan los temas sexuales, además de presentarse con una publicidad de forma espectacular.
Una nueva femme fatale
Rita Hayworth compone un personaje que podía fascinar tanto a los hombres como a las mujeres, fotografiada de la manera más seductora donde no hay, nada sutil en la proyección de su sex- appeal, aunque para los números musicales, Rita fue doblada por una cantante profesional Anita Ellion.
Gilda es sensual, tempestuosa, bella y vengativa, pero resulta una mujer fatal que enmascara una profunda inseguridad y dependencia de toda su fallada. Aunque vive su sexualidad con toda seguridad en sí misma, tras de todo eso es una víctima asustada. Aunque Gilda se comporta como una mujer fatal al uso y la pasión desbordada es mas inadecuada, ella nunca desaparece, controla y está presente en toda batalla por su libertad y la necesidad de buscar una existencia.
Aunque podía caer en un personaje estático y decorativo, el guion de Marion Parsonnet, se encargo de dotar sus diálogos de poderosas frases y que este en constante movimiento. El aura de grandeza que rodea la película no corresponde con su calidad, todo se debe al carisma, la fuera y el magnetismo de Rita.
Película subterránea y subversiva
El mayor bombazo que tiene la película, son sus temas subterráneos, uno de ellos descubierto por los críticos franceses que afirmaron una relación homosexual entre el héroe interpretado por Glenn Ford y el marido de Gilda, Ballin interpretado por George Macreaday, mientras que Gilda no es más que una tapadera de ambos y que el guion disimulo al máximo lo realmente importante, distrayendo todo el tiempo al público con la imagen de Hayworth que parecía no percatarse de nada en su momento.
Gilda se presenta como la victima de dos hombres, Johnny Farrell es prácticamente un vagabundo, que Ballin el dueño de un casino en Buenos Aires, conoce y recoge de los arrabales de la ciudad, y lo convertirá en poco tiempo en su “hombre de confianza”, hasta hacerlo cargo de su casino.
Johnny es un malhechor especialista en hacer trampas en el juego de apuestas, y el dueño del casino donde acuden mafiosos políticos y poderosos, hará que Johnny realice allí una ascendencia inminente en los negocios poderosos de Ballin y le muestra toda su fidelidad.Más tarde Ballin se casa con Gilda ex amante de Johnny, pero esta no será más que una tapadera de los dos.
Los diálogos son magníficos, pura dinamita y convenientemente equivocas para disimular la relación gay entre los dos protagonistas. Además están llenos de ambigüedad, mostrando un hombre y una mujer con un pasado oscuro de la que apenas se sabe nada.
La Argentina de los nazis
“Gilda” está ambientada en Buenos Aires y parte de la historia en Montevideo, después de la II Guerra Mundial, se sabe que 80.000 alemanes y austriacos llegaron a Argentina tras finalizar la guerra, y 19.000 decidieron quedarse en el país.
Pero entre judíos que se exiliaban se mezclaban muchos criminales de guerra, la Argentina se convierte en un paraíso donde muchos nazis encontraron su refugio no solo criminales de guerra sino organizadores del Holocausto, en la película “Gilda” está plagada de este grupo de población. Las “Ratlines” , eran las rutas de escape por las que miles de nazis huyeron a América del Sur y otros destinos tras la Segunda Guerra Mundial , ambientada “Gilda” en Buenos Aires era un guiño político sobre los refugiados y exiliados encubiertos , que eran criminales de guerra y nazis.
Impacto de la película
La película gusto al público y muchos críticos alabaron, tan solo su estética y su art deco , como la fotografía de claroscuro y el poder sexual de su protagonista que lo convirtió en un mito. Sin embargo la critica Kate Cameron desde el “Daily News”, la llamo “Basura de lujo”, en general la mayoría de la crítica recibió mal la película.
Aunque la crítica se mostro poco o nada entusiasmada, el publico fue a ver la película en masas, los soldados recién llegados al hogar llevaban a sus esposas y novias a verla y la mayoría de ellas volvían a verla , una y otra vez para copiar la imagen de Hayworth.
Los personajes del drama son interesantes o están bien interpretados tiene sobretodo poder de atracción gracias a la dirección de Charles Vidor.
Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda ,pero se levantan conmigo, confesaría la actriz cuando el personaje se convertiría en un icono de culto.
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El cartero siempre llama dos veces (1946)
Película estadounidense de cine negro de 1946 , basada en la novela de James M. Cain y dirigido por Tay Garnett, protagonizado por Lana Turner, John Garfield y Cecil Kellaway.
Con un guion de Harry Ruskin y Niven Bush , ambientada en la Gran Depresión de los años 30 , Frank es un vagabundo , que empieza a trabajar en un bar de carretera , regentado por un hombre mayor y su mujer Cora, joven, bella e infeliz .Pronto comienzan a sentirse atraídos el uno por el otro, mas tarde se conspiran para asesinar a su marido , una vez cometido el acto, deben vivir con las consecuencias de sus acciones toman decisiones aparentemente acertadas dentro de su confusa pasión, pero es completamente equivocada.
La tragedia de Caín, muestra la crisis de personajes presas de una pasión sexual y que además piensan que el único medio de escapar de la mediocridad social es el dinero.
Versión americana
El libro original de Caín apareció en 1934 y era una historia descarnada, que narra la historia de un vagabundo que es acogido por el dueño de un café de carretera y su bella esposa, llego por primera vez a la pantalla en Francia en 1939 llamada “Le dernier tournant” y en Italia en 1942 como “Ossessione” dirigido por Luchino Visconti
En América la adaptación tarda 12 años debido a la censura, la MGM la llevaría a la pantalla después del éxito de Billy Wilder y “Perdición” otra adaptación del desconcertante mundo de Caín.
La versión creada por MGM es más fiel a la novela que la versión italiana , ya que recupera el juicio y el asesinato ausente en la de Visconti y resulta mejor que la versión mas explicita de 1981 , convirtiéndose en una de las películas icónicas del genero de cine negro de Hollywood de la década de los 40.
La femme fatale de Garnett
En la película, hay una figura muy importante y determinante en la historia, el personaje de Cora, una femme fatale muy distinta en algunos aspectos es presentada como una mujer ambiciosa e inconformista, con clase, elegante y bien vestida todo el tiempo de blanco y solo de negro cuando la situación dramática lo requiere. Su imagen es completamente desencajada a su entorno y utiliza el victimismo, el dramatismo y los sentimientos para poder manipular a Frank y convencer de matar a Nick.
Pese a estar ambientada en la era de la depresión, Cora es una mujer elegante, sofisticada resultando incongruente con su vida y la situación del lugar, siempre vestida virginalmente de blanco, tratándose de una asesina.
La estrella no consigue proyectar, parte de la desesperación y la situación de la clase obrera de la versión de Caín, pero se trataba de una famosa estrella de cine, quien acepto encarnar el sórdido papel con la condición de conservar todo su estilismo. Se muestra todo el poder del glamour de Turner, quien posa ante la cámara con toda la intención de mostrar su imagen en el papel estelar, convirtiéndose en la estrella del espectáculo con un personaje que nos muestra continuamente las muchas caras que tiene el personaje de Cora Smith.
Tanto el personaje de Frank, como el de Cora están moralmente arruinados y les espera un pavoroso futuro, la novela trata sobre el amor obsesivos, engaños, tipos duros, asfalto y castigo que son llevados a la pantalla, pero para que Tay Garnett pueda saltar la censura creó un fuerte romanticismo en la pareja, donde lo sexual quedaba soterrado, este alto romanticismo escondía una atracción perversa, con destino fatal.
La historia está ambientada en los años posteriores del “Crack del 29” y en plena depresión cuando la pobreza y el hambre era algo común entre la clase trabajadora norteamericana. La acción principal tiene lugar en un establecimiento llamado “Twin Oaks”, una gasolinera y hamburguesería en una carretera secundaria que une Los Ángeles con San Diego.
El directo dosifica el suspenso del asesinato no solo pone romanticismo en las escenas donde es evidente la pulsión sexual para poder pasar la censura, la pulcritud parece inundar cada escena y refrena las pulsaciones, dejando la violencia y el erotismo se presente con sutileza
La historia de dos personajes rotos es rebajados con el glamour de Turner que disfraza la pasión desesperada, sexualidad contenida y una tragedia.
“Garnett planea todas las miradas, posturas y lenguaje corporal de la pareja protagonista, además de las situaciones y objetos dentro de la escena, todo ocurre en la pantalla pero lleno de sutiliza”.
La MGM , pidió prestado a la Warner al actor de aspecto rudo y perfecto para el personaje de vagabundo John Garfield, el personaje de Frank supone un cambio interesante para el actor un personaje débil y manipulado , confuso y sin rumbo.
Destaca el esplendido trabajo interpretado por Cecil Kellaway en el papel ingrato de marido que parece más preocupado por hacer dinero y que no nota como su joven y atractiva esposa está llena de energía sexual.
Otro gran talento fue Hume Cronyn , un actor especializado en villanos , construye un estupendo papel de abogado , fue una elección personal del director.
Estética “Noir”
Influenciado por la iluminación un tanto expresionista, Garnett consiguió una dimensión claustrofóbica de la relación, y para eso debe encerrar la historia en un único escenario el restaurante de carretera , por medio de los largos planos con mínimos movimientos de cámara y llena de tonalidades oscuras, gracias al excelente trabajo de fotografía de Sidney Wagner, pero además se ilumina con una poética que la sordidez naturalista de James M. Caín desaparece parcialmente, debito también a un tratamiento especial de iluminación que debía tener Lana Turner y su vestimenta blanca. Garnett saco también partido de las imágenes alegóricas y de los objetos como metáforas de los sentimientos.
El film está narrado en primera persona, por el personaje de Frank, con una voz en off acompaña al espectador a lo largo de la película. Al estar narrada desde el punto de vista de los dos amantes, hace que el público los comprenda y se identifique con ellos, incluso cuando comenten el crimen, la cinta se diferencia de los otros films “noir” por el hecho de simpatizar con los criminales.
Convertido en uno de los films más provocativos de los años 40 que narra la historia sexual de un vagabundo y una mujer casada que traman, el asesinato del marido, resultan dos personajes trágicos y engañados. Con toda la censura y el Codigo Hays , la película logra salir adelante con todo tipo de trucos y tratamientos.
Turner y Garfield logran convencer al público por medio del lenguaje corporal y las miradas una ardiente pasión sexual de la historia.
La pareja de actores tuvieron que trabajar la forma en que construyen sus personajes, y la relación para la pantalla sin mostrar el sexo, ni ninguna parte del cuerpo.
