La mujer sin cabeza / Lucrecia Martel
Película dirigida y escrita por Lucrecia Martel, quien crea un teatro de sombras, dudas, miedos y fantasmas, para muchos Martel es no solo una de las mejores cineastas de Argentina sino toda una renovadora de la cinematografía latinoamericana, Martel trabajo junto a la actriz María Onetto una intérprete curtida en el circulo teatral, quien atrajo a la directora por la manera misteriosa que aborda a sus personajes.
Verónica una mujer rubia odontóloga, de clase media viaja por la carretera secundaria atropella algo o alguien, sin saber si es una persona o un animal se aleja, decide huir de la realidad y de lo que ha pasado, tratando de aparentar la calma, se mantiene en constante estado de shock, sufre un extraño desajuste emocional entre lo que pasa a su alrededor, está completamente despersonalizada, mas tarde se teñirá de morena.
El proceso de despersonalización
Verónica la protagonista ve como todo el mundo que ha construido a su alrededor comienza a derrumbarse y tornarse inexplicablemente en un infierno, debido al accidente del cual no sabe qué ha pasado, empieza a considerarse un ser extraño y misterioso oculta su estado confuso, frágil sufriendo de una disociación de toda realidad. El tema del desplazamiento y amputación de una parte del cuerpo resulto todo una novedad , Lucrecia Martel experimenta con la situación de una cabeza que ya empieza actuar con independencia a su cuerpo y del mundo, debido a mecanismos de defensa que se activan ante una situación límite, donde todas las rutinas de la vida diaria resultan ajenas.
La técnica de Martel
La película tiene como tema central la negación y con un estilo muy propio, la acumulación de momentos son los que aparece no ocurrir nada, algo que no se sabe si ocurrió o no, pero está ocurriendo, se dice que en la película no pasa nada y no lo es, pasa de todo pero Martel hace que todo permanezca siempre en la sombra, fuera de campo “Martel sugiere sin mostrar”
Esta “crónica de miedo” y “estado de confusión mental visualmente juega con el fuera de campo, los desenfoques y los sonidos lejanos, la directora crea tensión con lo cotidiano y la cercanía pero de una mente alterada. Martel muestra toda su habilidad extraordinaria para crear situaciones angustiosas y tensión abrumadora.
La posición del lente, el desenfoque, la falta de información, y el fuera de campo son juegos muy bien utilizados por la directora, de poca acción y de mucha observación se describe una crisis post traumática.
El rodaje en Salta
Rodada íntegramente en la provincia de Salta, una localidad al norte de Argentina donde existe la creencia de que cuando se produce una experiencia traumática el alma sale del cuerpo y hay que curar el susto, para que el alma retorne.
La película puede recordar como punto de partida el cine de Antonioni pero con unos fines diferentes, pero Martel hablo de dos grandes influencias en su película “El carnaval de las almas” 1962 y “La noche de los muertos vivientes” una de sus películas preferidas, por eso decide crear a Verónica como una muerte viviente.
Tanto Martel como la actriz María Onetto analizan el personaje y querían evitar la idea de amnesia, por lo que recae sobre el personaje es algo muy diferente a una amnesia, reconoce el universo y lo que la rodea, pero pierde la noción del vinculo de las cosas, de sus familiares, su vida se ha convertido en una ausencia constante porque su mundo a colapsado.
Junto a Onetto en el reparto aparecen actores profesionales y no profesionales que representan, el día a día de Verónica y su familia. Pero no todo es un estado de shock aparecen también temas sociales como la diferencias de clases.
Para Martel “La mujer sin cabeza”, supuso una renovación total del cine latinoamericano, pero que no era suficiente para reforzar la industria que se encuentra en una posición marginal frente al dominio norteamericano y los canales de distribución y exhibición.
Pedro Almodóvar que admiraba el trabajo de la directora apoyo su nueva película atreves de su productora “El Deseo” el director manchego apoya a muchos autores latinoamericanos para la renovación cinematográfica.

LA REINA DE ÁFRICA
Película de aventuras de 1951 , una adaptación de la novela de 1935 de C.S. Foster, dirigida por John Huston y protagonizada por Humphrey Bogart y Katharine Hepburn.
La novela desde su publicación en 1935 Hollywood se había interesado para llevarla al cine, primero la compañía Columbia quería Charles Laughton y Elsa Lanchester para los papeles principales
La Warner la compro a la Columbia y lo vio como vehículo ideal para Betty Davis acompañada de David Niven
Finalmente la compro el productor independiente Sam Spiegel para ser protagonizada por las dos grandes estrellas del momento Bogart y Hepburn.
Desde un principio la actriz Hepburn había insistido que la película no podía rodarse en estudio , tampoco podía rodarse en los parques de Los Ángeles , ni algún lugar que parezca África.
La película se rodaría en el Congo Belga y Uganda algo bastante novedosa para la época con una rica belleza pictórica utilizando un brillante tecnicolor, maravillosas escenas selváticas y mucha acción.
El personaje de Bogart se hace en la pantalla canadiense, incapaz de imitar el acento cockney consiguiendo la mejor interpretación de su carrera.
La película fue una absoluta revelación para Katharine Hepburn como actriz, que llevaba sin protagonizar una taquilla en solitario , un mayor triunfo que las películas de Spencer Tracy y sin el éxito de las comedias sofisticadas de “Historias de Filadelfia “y con “La reina del África” se convierte en una actriz de carácter.
Huston declaraba “no se trataba de mostrar la flora, la fauna africana en tecnicolor ni la aparición de fieras esto ya se ha hecho y muy bien en documentales, la principal razón de rodar en escenarios reales es que la actuación es vivida de una manera determinada y luego se aprecia en su trabajo dando carácter a la película”
La película se convirtió en un enorme éxito de crítica y público y recibió importantes nominaciones, a “mejor director” para Huston, “mejor guion” para James Agee , “mejor actriz” para Hepburn y “mejor actor” para Bogart quien resulto ganador en una fuerte competencia.
The Rainmaker
Película de 1956 dirigida por Joseph Anthony que adapta la obra de N. Richard Nash de su obra de 1954 protagonizada por Burt Lancaster y Katherine Hepburn.
La producción original se estreno en 1954 con enorme éxito y 125 actuaciones dirigido por Joseph Anthony y protagonizado por Geraldine Page, el director del montaje teatral dirigió la adaptación cinematográfica.
este había tenido una larga y triunfante carrera como director de teatro pero nunca había dirigido una película.
La productora quería a William Holden para el papel de Starbuck, pero tras su rechazo Lancaster acepto el protagonismo. El papel casa a la perfección con el talento y la personalidad del actor quien se luce lleno de energía y lirismo y gracias a su personalidad acapara casi toda la película.
La cinta denota su origen teatral, sus actuaciones son histriónicas y muy exaltadas propia de las tablas y donde todos elevan su voz.
Pese a su artificioso relato trata temas como el feminismo, la seguridad de sí mismos, los complejos, la marginación, la presión familiar, la aceptación y el destino dogmático de una mujer que busca marido y si no lo encuentra es una vida perdida.
Miss Hepburn esta soberbia interpretando a la madura solterona de un pueblo, sin embargo nunca consiguió reflejar a la perfección la forma de hablar y moverse de una granjera de educación limitada. Considerada un error de casting pero hace suyo el papel de manera fascinante.
Kate compone a la acomplejada y menospreciada Lizzie, la solterona del pueblo señalada por su familia y el vecindario a la que todos tratan de dar lecciones sobre cómo debe ser una mujer para que pueda conquistar un futuro marido, llamada de forma despectiva la solterona y sobretodo soporta la presión de la condición social.
La actriz no fue la mejor elección para interpretar este personaje porque era demasiado mayor, Lizzie debía ser lo suficiente joven para tener hijos, algo que ansiaba junto a su deseo de encontrar un hombre para casarse y formas una familia, a pesar de ello la actriz consigue una nueva nominación a mejor actriz con una extraordinaria actuación que supero no solo a sus compañeros , sino al error de casting.
Larga jornada hacia la noche
Película dramática de 1962 dirigida por Sidney Lumet adaptada de la obra de Eugene O’Neill protagonizada por Katharine Hepburn , Ralph Richardson , Jason Robards y Dean Stockwell
Aunque hoy es una de sus obras más conocidas, pero su obra el dramaturgo que moría en 1953 no la vio ni estrenada, ni publicada en vida y no es hasta más tarde en 1956 que se estrenara en Estocolmo y en 1957 en Boston , la obra ganara el premio Pulitzer y paso por Broadway con Federich March y Florence Eldridge.
O’Neill empezó a trabajara en esta “obra sobre el dolor, escrita con lagrimas y sangre” en 1939.
Ely Landau tenía los derechos de la obra y quería realizar una película de modesto presupuesto y poder contratar a grandes y prestigiosas estrellas y eligió a un joven director que ya había demostrado su capacidad para adaptar dramas de gran intensidad del escenario a la pantalla Sidney Lumet que se limito a tomar el texto y filmarlo, el original no iba a ser mutilado, se rodó íntegramente.
Era una tragedia autobiográfica del dramaturgo que describe a la familia Tyrone durante el curso de un día y una noche de 1962 y trata temas como la adicción de las drogas, el alcoholismo y la disfunción familiar.
No estamos ante una película comercial, se le puede denominar como teatro filmado o cine de cámara, fiel al original y opto por una forma audiovisual sombría y limitada en un decorado único, planos medios rodados en continuidad y una acción que se recrea exclusivamente en la soberbia interpretación del elenco.
Katharine Hepburn se había convertido en una actriz que estaba interpretando a Shakespeare en el teatro y a O’Neill y Tennessee Williams en el cine, coronaba su distinguida carrera con el papel de la patética madre drogadicta, en los momentos de mayor angustia se muestra vibrante y trágicamente autentica como una mujer abocada a una destrucción sin esperanza. Se dejo fotografiar sin filtros, ni una iluminación artística mostrando las huellas de los años y de las drogas sin maquillaje alguno. El papel de Mary Tyrone era su mayor logro profesional, la mayoría de los críticos consideraron que había coronado su “distinguida carrera” y que se había “superado a sí misma “ .
Adivina quién viene esta noche
Comedia de 1967, producida y dirigida por Stanley Kramer y escrita por William Rose, protagonizada por Spencer Tracy, Sidney Poiter , Katharine Hepburn y Katherine Houghton.
La película fue una de las primeras en representar un matrimonio interracial en luz positiva, ya que tales matrimonios históricamente habían sido ilegales en muchos estados de los E.U, seis meses antes de que se estrenara la película, el matrimonio interracial todavía era ilegal en 17 estados.
Era una comedia con un tono social sobre una pareja liberal cuya única hija trae a casa a su novio negro.
Para parte de le critica “el tema racial esta edulcorado y se le garantiza una solución feliz dado el talante liberal de los padres y que Poiter es la quintaesencia del negro respetable. Kramer trata el tema con humor, con delicadeza humana, amor y sobre gente independiente y liberal. Puede que no se tratara en profundidad los derechos civiles pero no dejaba de ser una película revolucionaria y con una historia que lucha contra la discriminación y contra la intolerancia.
El tratamiento ligero dado por el guion a un importante tema social fue muy atacado por muchos críticos pero millones de espectadores estaban mas interesados en el reparto, el público acudió a tropel para ver a una mujer blanca besada por un hombre negro y el fin del actor Tracy que fallecía poco después del rodaje.
Spencer Tracy hace una maravillosa composición, pero es Sidney Poiter da una interpretación de gran calibre.
La película fue un éxito de taquilla en 1968 en todos los E.U incluido los estados del Sur, obtuvo 10 nominaciones importantes de la Academia ganando Hepburn a “Mejor actriz” y “mejor guion” para William Rose
Para kate seria uno de sus mayores éxitos comerciales como un gran triunfo personal.
EL LEÓN EN INVIERNO
Drama histórico de 1968 que se centra en Enrique II de Inglaterra y su intento de establecer una línea de sucesión durante una reunión familiar en las navidades de 1183 protagonizada por Peter O’ Toole y Katharine Herpburn.
Basada en la obra de teatro de James Goldman de 1966, dirigida por Anthony Harvey un director relativamente nuevo ha realizado un excelente trabajo con un reparto solido.
La película fue rodada en Irlanda y Francia.
El papel de Leonor de Aquitania, era una proeza interpretada por Kate un papel muy distinto y ella leía todo sobre ella y de su época.
Sin lugar a dudas, es la mejor actuación de Hepburn , en toda su carrera por encima de todo es su película , un monumento para la actriz, superando a Rosemary Harris que interpreto a Leonor en Broadway.
Esta es la segunda caracterización de Peter O’ Toole como Enrique II para el cine después de interpretarlo en “Becket” en 1964.
La obra original de James Goldman de innegable aire shakesperiano no había sido un éxito en su estreno en 1966 interpretado por Robert Preston y Rosemary Harrie. Harvey rodó su película con una sencillez y evita el habitual desplegué de pompa y fastuosidad, pero sin restar interés el drama de los personajes.
Consiguió 11 nominaciones y gano tres a “mejor actriz” para Hepburn , “mejor guion” y “mejor banda sonora”. Si Kate consiguió el Oscar por “Adivina quién viene a cenar “por motivos sentimentales, este nuevo Oscar ha sido suyo por derecho propio.
LAS TROYANAS
Drama histórico de 1971 dirigido por Michael Cacoyannis protagonizada por Katharine Hepburn , Vanessa Redgrave, Genevieve Bujold e Irene Papas.
Basada en la tragedia de Eurípides que forma parte de una trilogía de obras de teatro que tratan el sufrimiento causado por la guerra de Troya
El rodaje se realizo en el pueblo español de Atienza en España.
Al parecer fue el trabajo de Hepburn de “El león en invierno” que la aleja de su habitual imagen de mujer contemporánea lo que hizo que Michael Cacoyannis tras su éxito de “Zorba el griego” 1964 y “Electra” 1962, se estrenaba “Las troyanas” con un reparto internacional una de las obras supremas del teatro, con una traducción de Edith Hamilton.
Hepburn declaro “mi actuación siempre ha sido un poco extravagante y rococó pero para este papel lo tenía que reducir a lo esencial, su voz bajo tras un entrenamiento especial y es casi inexpresiva el tono nasal característico y los ritmos de la costa este prácticamente desaparecieron”
“era verdaderamente sombría, los hombres y jóvenes ya los han matado o se los han llevado y a las mujeres nos han abandonado a nuestra suerte y nuestro destino seria espantoso esclavas o concubinas o la muerte”
Rodada en un desolado paraje de España que reflejaba a la perfección con el concepto que tenia Cacoyannis de la devastada Troya
Cacoyannis con la ayuda de una ambientación minimalista, austera y naturalista y el reparto trabaja sin complejo alguno, se sabe que se esta filmando teatro y no importa.
“No he hecho nunca tragedia griega y antes de morir me gustaría hacer de todo”, pero Kate era sin duda una actriz poco adecuada para el personaje de Hécuba dolorosa y llena de deseos de venganza era demasiado arrogante según el tono que ella le daba y su acento elegante poco tenía que ver con el patetismo épico
La película llego a los cines con un estreno limitado como “arte y ensayo”
UN EQUILIBRIO DELICADO
Drama de 1973 dirigido por tony Richardson y protagonizado por Katharine Hepburn , Paul Scofield, Lee Remick, kate Reid , Joseph Cotten y Betsy Blair.
Guion basado en la obra de teatro de Edward Albee de 1966 ganadora del premio Pulitzer
La película era una serie de producciones de Ely Landau para “American film theatre”, un programa de adaptaciones cinematográficas de obras de teatro notables , Albee adapto su propia historia
Al dramaturgo le complació tener en la producción a Kate no solo porque era fabulosa, sino que la obra seria vista por más personas que tan solo por el hecho de haber ganado el premio Pulitzer.
Ely Landau había creado el “American film theater” que producía versiones cinematográficas de dramas importantes que podían pasarse por la televisión y ser distribuidas como cine teatral.
Richardson era uno de las mayores figuras del conocido “Free cinema” ingles y traro la película mas como teatro que como cine, resultado una película claustrofóbica y estática , pero era un producto perfecto por su audacia , una obra muy interna con primerísimos primeros planos con un estudio sobre las relaciones humanas con muy poca acción y demasiados diálogos.
En el estanque dorado
Drama de 1981 dirigida por Mark Rydell a partir de un guion escrito por Ernest Thompson que adapto su obra de 1979 protagonizada por Hepburn , Henry Fonda y Jane Fonda
Jane fonda fue la fuerza impulsora detrás de la película le había gustado la obra de teatro y la preparo como productora, compro la obra específicamente para que su padre interprete a Norman Thayer.
Kate siempre había admirado a Henry Fonda y trabajar con él, le parecía maravilloso, era lo mejor que le había ocurrido después de Spencer Tracy y Bogart.
La película pertenece a sus protagonistas que nos emocionan profundamente, los personajes parecen ser seres humanos de carne y hueso con problemas comprensibles, sobretodo el personaje de Ethel una mujer con mucho carácter que desafía el paso de los años.
Otra ventaja publicitaria se produjo por el hecho de que fonda trabajaba con su hija por primera vez en una película y el hecho que interpretara a un padre y una hija que nos se llevan bien añadía mucho interés.
La película gano 3 Oscar a “mejor actor” para Henry fonda que gano su primer y único Oscar, a “Mejor guion” y Kate Hepburn ganaba su cuarto Oscar a “mejor actriz”, lo cual fue considerada por la mayoría de gente como una decisión por motivos sentimentales y un tributo personal a su prolongada carrera.
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