Andréi Tarkovski

Tarkovski, director de cine, actor, poeta y escritor Soviético, es junto a Serguéi Eisenstein uno de los directores más importantes e influyentes del cine ruso y con ello uno de los más grandes de la historia del cine, considerado un director de los elementos de la naturaleza , siempre sufrió las censuras del gobierno de su país , por su originalidad y el llevar hasta el extremo el cine de autor y personal.

Tras su película “El Espejo” el director creó una forma para su cine de la misma forma que los escritos de Eisenstein y las notas sobre el cinematográfico de Robert Bresson, al que llamo "Figura cinematografica".

Creador de espacios originales y metafísicos como el océano del planeta Solaris , la Zona, La Habitación de los deseos , La casa de la bruja de “Sacrificio” , ambientes geográficos determinados , espacios donde se producen milagros , se transforma el alma , se producen actos de catarsis , puntos de inflexión para las personas en crisis existencial.

Uno de los aspectos más cuidado de sus peliculas fue el color, uno de sus ejemplos tempranos fue “Andrei Rublev” película en blanco y negro salvo la secuencia final que es en color donde nos explica con detalles del iconos de Rublev.

En “Solaris” el color empieza en la carrera del director ruso, filmando escenas monocromas con grises azulados o distintos tonos de tierra para las escenas oníricas.

En “Stalker” tenemos las tonalidades sepia para representar los grises del mundo cotidiano y la suciedad de las viviendas lúgubres, hasta llegar al color con una gama de verdes y describirnos la Zona, convirtiendo la película en dos partes.

La infancia de Iván (1962)

Sobre un tema convencional, Tarkovski, crea una historia visual altamente poética.

La “Mosfilm” la productora estatal soviética fundada en 1920 estaba interesada en hacer una adaptación del relato de Vladimir Bogomolov llamado “Iván” sobre un huérfano de guerra y encargo el proyecto al director Eduard Abalov, pero tras visionar el primer material vio que era de baja calidad y decidió sustituir al director, fue cuando el encargo se ofreció a Tarkovski ,el director acepto con algunas condiciones una de ellas reescribir el guion y poder hacer una película completamente suya.  

La condición de poder empezar desde cero (no rescatar nada del material ya filmado) y la reescritura del guion con la colaboración del autor del relato y de Mikhail Papava , hizo que se tenga que rodar con muy pocos medios y presupuesto reducido, pocos decorados y extras ,pero el director junto al fotógrafo Vadim Yusov dan vida al film con escenas minimalista.

Un material diferente

Uno de los aspectos que más llamo la atención de Tarkovski era el hecho que era una austera historia de guerra que no trataba de violencia física o de choques militares, su asunto narrativo no era el heroísmo, las escenas de combate se suponen fuera de campo y todo se resuelve con el efecto sonoro de las bombas y las voces del enemigo.

La crueldad de la guerra se introduce como las huellas que deja en las personas y lo que deja a su paso.

La película estaba totalmente alejada de toda propaganda, que caracterizaba a las producciones soviéticas del género bélico, siempre interesado en ensalzar los valores patrios. Para alejarse de la acción de combate y aventuras bélicas, el film se desarrolla entre el término de una misión y el comienzo de la siguiente.

Iván es protagonizado por Nikolao Burliajev , un chico huérfano que perdió a toda su familia cuando es asesinada en la segunda guerra mundial , se convierte a sus 12 años en una especie de engendro de la guerra un arisco combatiente cuya frialdad y forzada madurez está muy alejada de su edad , ahora realiza una peligrosa misión para el ejército soviético , infiltrándose en las líneas enemigas nazis para recabar información , finalmente muere tras ser “adoptado” por unos soldados que pretenden protegerlo.

“El director está más ocupado en el estilismo que en las contiendas bélicas”

Aunque se puede considerar la obra más accesible del realizador ya aparecen su sello de identidad como la narrativa fragmentada, el contenido con saltos en el tiempo y el gusto por las imágenes poéticas de la naturaleza contrario a un país devorado por la guerra, rodada en vistoso blanco y negro en Ucrania. 

Las escenas más impresionantes y comentadas son aquellas en que la naturaleza se convierte en un personaje más.

Alejándose de toda narración clásica introduciendo cuatro sueños oníricos donde el personaje recuperara su infancia perdida, estos sueños hacen que se rompa la línea narrativa y crean un espacio de libertad para el personaje, donde recuerda a su madre y se aleja del odio y todas las sombras de la realidad de los campos de batalla.

La película y tuvo un notable éxito de crítica y alcanzo difusión internacional siendo catalogada como la mejor de su tiempo, no paso desapercibida en el “Festival de Venecia” donde ganaría el León de oro.

Andrei Rublev (1966)

Tras el éxito y prestigio que supuso al director Tarkovski “La infancia de Iván”, realiza “Andrei Rublev” y se revela como uno de los grandes autores de la historia del cine con tan solo su segunda película. Esta vez construye una obra de gran presupuesto y alcance épico pero completamente madura, personal y de sorpréndete belleza. 

Tarkovski y Andrei Konchalovski empiezan una minuciosa labor de documentación sobre el pintor de iconos Rublev, iniciaron el guion muy alejado de las reglas tradicionales del “biopic” eso se añadía a la escasez de datos biográficos del artista, pero esto ofreció mayor libertad creativa, el artista había decorado muchas iglesias y conventos rusos pero su vida era prácticamente desconocida y oscura.

No se contaba con un molde de concepción convencional para una película situada en el siglo XV ya que resultaba extremadamente difícil saber cómo era todo en esa época y se tuvo que recrear por medio de todas las fuentes con las que contaba.

La película está situada en el siglo XV y resulta extremadamente difícil saber cómo era todo en esa época se tuvo que recrear de todas las fuentes con las que se contaba como la arquitectura, la escritura y la iconografía.

Alejándose de la tradición del “biopic” la película sigue el concepto del retablo medieval divida en ocho capítulos que abarcan 23 años de la vida de Rublev, recogiendo sus diferentes etapas en la vida del monje desde su juventud a su madurez.

El pintor que no pinta

Para la elección del actor se quería alguien nuevo, alguien que nunca se había visto en la pantalla y se escogió al actor de teatro Anatoli Solonitsyn. 

Esta vez la película tiene una estética épica , muchos extras , crueles batallas , paisajes desmesurados (como una revisión del pasado de Rusia) y está dedicada al trabajo de un pintor que no pinta , está basada muy vagamente en su trabajo como pintor , explorando mas su naturaleza y psicología en la creatividad artística.

Un protagonista que es un mero testigo pasivo de los hechos y acontecimientos, desaparece de la escena y jamás se le muestra en su taller durante el proceso creativo, centrando los temas de la película en la libertad artística, la ambigüedad política y creación del arte bajo un régimen opresivo.

La condición de religioso del personaje, le permite al cineasta ahondar cuestiones de fe, evidenciando el sentido religioso con una trama cristiana.

El origen de las escenas están en la misma literatura se pueden encontrar escenas semejantes en Tolstoi, Thomas Mann y Hermann Hesse.

La película se cierra con la muestra de los detalles de los iconos de Rublev a color culminando con “La Trinidad” su obra maestra.

Acabada en 1966, el gobierno ruso lo considero un film cruel, espiritual, oscuro y se le pide al director cortar en el montaje y reescribir una nueva versión que se proyecta una única vez en Moscú a fines de 1966.

Ante una nueva critica la película fue exhibida en 1969 en Cannes donde su reputación fue grande y gano el premio de la Prensa, la película solo se distribuyo de forma normal a partir de 1971.

Con esta película el cineasta se convierte en un autor al mismo nivel de Bergman, Antonioni y Fellini.

Solaris (1972)

Este fue la primera película de Tarkovski, de gran difusión ampliamente internacional debido a que fue catalogada como una película de ciencia-ficción y como la respuesta soviética a “2001 odisea del espacio” de Stanley Kubrick.

Tarkovski y el director de fotografía Vadem Yusov habían visto la película de Kubrick “2001 una odisea en el espacio” les llamo la atención y admiraban la película sin embargo el director no estaba interesado en el género de la ciencia-ficción.  

Basada en una novela de Stanislav Lem un autor asociado a este género,  Tarkovsi tenía un escaso interés por la ciencia-ficción pero este texto de Lem alejado de los parámetros tradicionales de aventura espacial tenía un tema de interés la condición humana en un entorno más metafísico que espacial.

Su ambientación era de técnica avanzada y moderna y el director estaba más preocupado por las resonancias emocionales de una sociedad científica que por la estética  tecnológica y al final la ciencia ficción no domina la película , el director no estaba fascinando por los aparatos y no le interesaba el mecanismo del viaje espacial , todo eso sería tratado como un vehículo para enfrentar al hombre con su pasado “todos esos malditos corredores , laboratorios y salas de comunicación , cosmódromos destacaban visualmente pero yo quería concentrarme en los personajes” declaraba el director sobre su adaptación.

Fiel a la narración compleja y lenta de la novela Tarkovski , quería aportar una nueva profundidad emocional e intensa al género y dejar la ciencia ficción más superficial , pero no pudo desarrollarlas como quería , pese a sus opiniones negativas del genero le gustaba el libro de Arthur C. Clarke, “2001 odisea del espacio”.

Kris Kelvin (Donatas Banionis), es un psicólogo encargado de diagnosticar la crisis de la estación espacial sobre el océano Solaris. Una serie de fenómenos inexplicables, extraños visitantes, que atormentan a los investigadores. La película es un drama psicológico que ocurre principalmente a bordo de una estación espacial que orbita el planeta ficticio Solaris.

La actuación de Natalia Bondarchuk en el papel de Hari es la mujer del protagonita que ha muerto y atreves del amor por su esposo vuelve a ser una mujer de verdad convirtiendose en la parte mas emocional del film.

Dividido en tres partes la primera en la tierra, la segunda en la estancia espacial y un epilogo que reconstruye el encuentro entre padre e hijo.

Tarkovski busca expresar el género de la ciencia ficción mediante una máxima estilización narrativa y visual inspirándose para sus escenas en las pinturas renacentistas del pintor italiano Vittore Carpaccio y emplea una alta nostalgia para el desarrollo de los personajes, quitando todas las limitaciones de los efectos especiales para crear una película profundamente humana que incluso llega a la angustia.

Música electrónica

Sin embargo la ciencia-ficción a la que Tarkovski renegó le trajo otra ventaja, las maquinas futuristas le permitieron presentar un sonido nuevo  , trabajando con el compositor de música electrónica Eduard Artemiev , además de contar para los créditos con Juan Sebastián Bach y los sonidos de un órgano secular. 

En las secuencias del espacio o de la base combinada las piezas de Bach con la música electrónica de Artemyev , Bach era el compositor predilecto de Tarkovski, tomo prestado sus piezas de música culta para las escenas espaciales y hace una fusión con la música electrónica.

"Solaris" se convertiria en un film rechazado por su autor ya que no pudo eliminar los elementos de ciencia-ficción "La considero la menos satisfactoria de mis  peliculas" declaraba el director, sin embargo es un film de gran originalidad.

No fue el unico al escritor Lem no le convenció ninguna de las tres versiones que escribieron de su novela.

Con gran éxito de crítica “Solaris” se presenta en el festival de Cannes en 1972 y gano el gran premio del jurado.

Considerada dificiel de ver y comprender ." No está hecha para un público en general ya que es un drama psicológico introspectivo", catalogado de aburrida o lenta es su desarrollo no deja de ser una obra maestra.

El espejo (1975)

“Debido a su compleja narrativa, las autoridades soviéticas la tachan de “elitista” y negó su presentación en Cannes en 1975 relegando además su exhibición a la llamada tercera categoría y su proyección se limita a cines de tercera o cines-clubs obreros y además de una cantidad escasa de copias para la exhibición” 

El cine como memoria universal

Después de “La infancia de Iván” y “Andrei Rublev” sus dos únicos films enmarcados en dos momentos históricos concretos de su país y la costosa “Solaris” que transcurre en el espacio y un futuro incierto, el autor ruso decide realizar un viaje de regreso a sus recuerdos familiares , aunque ya había utilizado la discontinuidad narrativa en su nueva película lo utilizaría con máxima grandeza. 

Junto a Aleksanar Misharin el director ruso realiza una obra audaz enforna de autorretrato de sus primeros recuerdos, una confesión abierta de su pasado y presente con sus espacios más íntimos y personales.

Se concibe en forma de “collage” de imágenes en movimiento altamente poéticos y quiebra todas las reglas de la narración clásica.

“Cuando un individuo mira su pasado lo percibe a modo de fragmentos, los recuerdos no tienen entidad lineal sino formas de secuencias, por eso la estructura es un cumulo de experiencia y sueños”.

"Sin un previo aviso del presente se pasa a la evocación del pasado y las secuencias oníricas"

Ejercicio altamente estilístico

Estructura narrativa que se articula está apoyada por diversas estrategias estéticas: el uso del color para las escenas que tienen lugar en el presente, el blanco y negro para los sueños o pensamientos oníricos y en tono sepia para algún acontecimiento del pasado y el uso de escalas grises permite integrar las imágenes de noticiarios.

Fotografiada por Georgi Rerberg se mezcla el color, el blanco y negro más cercano al sepia, para el director Tarkovski las tonalidades monocroma ofrece una aproximación mas fidedigna y cercana a la verdad psicológica.

Además una gran utilización de elementos naturales que juegan un papel importante en el relato, el agua , el fuego , el viento , la hierba del campo y las olas del mar.

Contexto histórico

Pero no todo es subjetividad, en el film Tarkovski mezcla el material de ficción con material de noticieros de contexto histórico, pero la intención no es el realismo-social, sino mostrar impactantes escenas que den mayor fuerza al conjunto y evocados por la memoria. El alter ego del director no solo mira su pasado familiar sino los acontecimientos importantes en esos años que de una forma u otra influyeron en su vida.  

El material de noticiero muestra la Guerra Civil Española, los bombardeos de las ciudades y los niños de la guerra, la liberación de Praga, la bomba de Hiroshima, la revolución cultural de Mao, el enfrentamiento y conflicto entre URSS y China en 1969 por las Islas de Zhenbao, los fuegos artificiales con la que Moscú celebra el fin de la segunda guerra mundial.

Uno de los momentos más bellos de estos noticieros es la representación del reportaje del trágico vuelo del globo aerostático de 1934 y el retorno del aviador Valeri Chkálov a Moscú desde su viaje al Polo Norte en 1937.

Pero si hay una secuencia con carácter iconográfica en el film es la marcha del ejército ruso por el lago Syvash de Crimean (1943), imágenes que llamaron la atención del cineasta incrementado su interés cuando supo las circunstancias que rodearon el rodaje del mismo, el operario que la rodo murió ese mismo día y en el mismo escenario, resultando un material absolutamente único.

“Tarkovski, crea la presencia de un alter ego siempre fuera del encuadre solo como una voz en off y muestra en pantalla sus pensamientos y recuerdos.”

Después del trabajo de “Solaris” , Tarkovski vuelve a trabajar con los sonidos electrónicos del músico Eduard Artemyev.

La película además se ve potenciada por la interpretación de la actriz Margarita Terejova que realiza dos papeles y en dos épocas como la madre del protagonista y más adelante su esposa, el film es también un homenaje intimista a su madre, una fuerza contra la adversidad de las circunstancias, para sacar adelante a sus vástagos en tiempos de guerra, una mujer que además espera al marido que se halla en el frente a pesar de su ruptura matrimonial.

Los poemas que se escuchan en la película son obra de Arseni Tarkovsky, el padre del cineasta que era poeta, que además los recita en la película resultando una obra autobiográfica que tiene como protagonista su propia familia.

Un film maltratado

“Es un film para un círculo restringido de espectadores , un film elitista, pero el cine por su propia naturaleza no puede ser un arte elitista, uno no puede solamente dirigirse a un público especializado , nuestro cine soviético debe ser comprensible , el cine es un arte de masas”.

El film se termino en 1974 y las autoridades soviéticas se niegan a enviarla a Cannes, no contentos con eso lo clasifican como categoría B y eso significaba en Rusia un estreno sin publicidad, en Francia solo se pudo ver a partir de 1978.

Ante la censura y el maltrato de su film más personal el director declaraba “que pretende ser un artista no solo ruso sino universal y crear al igual que Bergman o Bresson, no films europeos sino obras destinadas a la humanidad”.

El director alcanza una nueva dimensión con “El espejo” un ejercicio fílmico construido a través de la memoria y que constantemente nos sorprende con los cambios de tono y de atmosfera apareciendo material documental, sueños, apariciones, esperanzas, intuiciones y recuerdos.

“La calificación de «elitista» y «poco comprensible» que recibió por parte de las autoridades culturales soviéticas conllevó a que el film apenas encontrara distribución y que, por tanto, clasificada como una realización maldita y marginada, que solo fue redescubierta con los años”.

Stalker (1979)

El caso de una narrativa minimalista permite interiorizar y centrarse en el universo mas interior de los personajes y además utilizando el uso de filtros y colores se puede sugerir los estados de ánimo al espectador. 

Pese al escaso interés de Tarkovski por el género de la ciencia ficción vuelve a el por segunda vez después de “Solaris”, con el relato “Picnic junto al camino” de los hermanos Arkadi y Boris Strugatsky , pero esta novela ofrecía un suporte idóneo para el director una nueva reflexión sobre la existencialismo del ser humano y realiza su película más lineal en argumento, una narrativa minimalista permitía el centrarse en el universo interno de sus personajes.

La ciencia – ficción es lo de menos es una mera excusa para mostrar el alma humana, en principio su trama es muy sencilla, tres hombres que se infiltran en un lugar prohibido llamado la “Zona” (donde además se hallan unas ruinas que contiene una habitación que concede un deseos a quien se acerque a su lumbral).

Vaciada de sus elementos futuristas, los exteriores se filmaron en una región de Estonia donde se realizo los exteriores de la llamada Zona que no es mostrada como un paisaje lunar sino un campo ordinario haciendo que el film sea más interesado y fascinante.

Nos muestra toda la estética de Tarkovski, con tomas largas, intensamente elaboradas , intercaladas con diálogos y poemas filosóficos.

La banda sonora está nuevamente compuesta por Eduard Artemiev que había colaborado en “Solaris” y “El espejo” aquí de la mano de efectos sonoros de sintetizadores da un interesante tratamiento onírico.

Pelicula dividida en dos partes

La película está dividida en dos partes y esta división se debe a temas estilísticos del color la primera parte del film es en color sepia resultando la película mas sucia del director ya que este color sepia representa un mundo sórdido , desterrado y ruinoso, sitios cotidianos , el hogar de los protagonistas , la taberna y los parajes industriales. Su segunda parte en la llamada “Zona” todo es color sobretodo verde por su vegetación aunque un color frio y apagado.

La Zona

La llamada Zona es el lugar por excelencia del director Tarkovski junto al planeta “Solaris”, los tres personajes con diferentes motivaciones y sumidos en un estado de crisis existencial realizaran un viaje post- apocalíptico a esta región, situada en un país no determinado. 

En la zona se habla de la caída de un meteorito hace años y rumores de haber sido habitado por una civilización de extraterrestres, se sabe que el meteorito tuvo una acción atómica con efectos de radiación y por eso tiene un gran sistema de vigilancia y está cercado pero realmente parece que la región a sufrido los efectos de una descarga bélica encubierta, resultando un espacio utópico.

Se dice que es un lugar en constante movimiento , un laberinto donde no hay línea recta que seguir , se habla de fenómenos extraordinarios en el lugar , pero en la película esto no va mas allá de hechos naturales como ráfagas de viento y el agua.

Al final es solo un territorio con vegetación y aparentemente abandonado, sin nada especial que restos oxidados de vehículos militares, postes telefónicos inclinados y derruidos y con unas ruinas donde se halla la habitación de los deseos completamente desolado, sin embargo los tres hombres lo recorren como si de un espacio fabuloso se tratara.

Un pedazo de naturaleza muerta permanentemente con agua estancada, charcos y texturas.

Tarkovski enmarca a sus personajes en la tradición literaria rusa sobre todo en Dostoyevski, por sus personajes atormentados y en constante “crisis internas”

Si bien la película no despertó en las autoridades soviéticas el ánimo de censurarla abiertamente tampoco tuvo mucho interés de difundirla, para muchos el film más representativo y logrado del director.

“Un argumento simple pero altamente profundo que el director lo convierte en una extrañeza para el espectador”

Temp de viaggio (1983)

Documental producida por una productora italiana sobre la gestación del film “Nostalghia” pero no es un formato de “making off”, ni un diario de pre producción.

Tarkovski decide exiliarse de Rusia tras las presiones de las autoridades soviéticas y huyen a trabajar a otros países como Italia y Suecia, en este documental aparecen el director ruso junto a Tonino Guerra el colaborador de Antonioni en la búsqueda de lugares para el rodaje de su nueva película “Nostalghia”.

Nostalghia (1983)

La dificultad que siempre tuvo el autor soviético lo lleva finalmente a realizar sus dos últimas peliculas en el extranjero, en esta producción italiana hace un film sobre la nostalgia rusa, un film que trata de la devoción que tienen los rusos hacia sus raíces nacionales, su pasado, su cultura, su patria, su familia y amigos, una devoción que los acompaña toda la vida. 

En su primera película en el exilio, Tarkovski hace una película profundamente rusa en todos los sentidos moral, política y social.

Gestación del proyecto

En 1976 se reúne con el productor de cine italiano Franco Cristaldi y entabla amistad con el escritor Tonino Guerra guionista de Fellini y Antonioni.

En 1979 recorre Italia junto a Guerra buscando localizaciones para una película escrita entre los dos de esta búsqueda surge un documental “Tempo di viaggio” que está realizado con entrevistas entre el director y el escritor y una mezcla con imágenes de diversos lugares de Italia, evocando la historia y la arquitectura italiana, un encuentro con un sacerdote y aficionados de arte.

El director ruso siempre se sintió atraído por la cultura europea y no deja de sentir extrañeza por ella, en 1972 había conocido Suiza, en 1985 visito Berlín que no le gusto y tampoco se sintió cómodo en los E.U, pero amaba Italia el país “lo hacía sentir en paz”.

La enfermedad de la nostalgia

“El amor a la tierra natal, es la suprema alienación” 

Andrei Gorchakov interpretado por Oleg Jankokskiesta lejos de Rusia su tierra natal y vive una terrible nostalgia que lo hace vivir como un prisionero, se siente desarraigado y desubicado y vive alienado por sus seres queridos , amigos , los objetos y lugares patrios , este apego absorbe su energía.

Este es un fenómeno ruso, un estado de ánimo muy típico en esta nación y que surge con gran fuerza cuando están muy lejos de su patria.

Gorchakov que deambula por distintas tierras italianas casi como un fantasma autómata ante su incapacidad para superar la enfermedad de la añoranza. El motivo de su estancia en Italia es la investigación de la vida del compositor ucraniano Pavel Sosnovski un compositor del siglo XVIII que también estaba atormentado por la nostalgia , este abandona una exitosa carrera en este Italia para regresar a Rusia a su antigua condición de sirviente y al poco tiempo después se suicida.

El film transcurre en Italia y está rodado en escenarios auténticos, muestra una maravillosa y saturada belleza de los pueblos italianos, creando una Italia sorprendentemente brumosa , hipnótica y melancólica , donde la niebla perpetua parece no dejarnos ver las cosas con claridad , ni al personaje protagonista ni al espectador.

Nuevamente aparece la estética visual para potencias la historia, los pensamientos sobre Rusia y su familia aparecen siempre en tono sepia.

Para protagonizar a Doménico el realizador contrato a un actor sueco mundialmente conocido por sus films con Bergman, Erland Josephson y para el papel de Eugenia eligió a la bella actriz Domiziana Giordano y para el papel protagonista se escogió a Oleg Iankovski .

Es uno de los trabajo más personales de Tarkovski junto “El espejo” ya que es su primer film hecho fuera de la Unión Soviética quien tuvo que abandonar el país a causa de la persecución y maltrato que sufrían sus obras por parte de las autoridades.

En el festival de Cannes de 1983 recibe el premio de la crítica internacional y el director es premiado junto a su admirado Robert Bresson por “El dinero”, resultando doblemente galardonado.

Film bello insólito, inesperado y frio y da la impresión de asistir a cada momento a una secuencia de grandes momentos cinematográficos

Sacrificio (1986)

Testamento cinematográfico de Tarkovsi , filmado en Suecia la patrio de unos de sus cineastas favoritos Ingmar Bergman.

Pelicula Bergmaniana

Realizada en Suecia fue rodada en Gotland, el director Bergman ayuda al director ruso a obtener los permisos para el rodaje de la película, además sede a parte de su equipo donde destaca el fotógrafo colaborador del autor sueco Sven Nykvist el que dará una extraordinaria calidad visual, Tarkovski realiza este film influenciado por el director sueco que tanto admiraba. 

La filmación se realizo en Gotland frente a la isla de Fårö un lugar que era muy familiar en el cine de Bergman el director sueco rodo muchas de sus peliculas en esta isla.

Miedo apocalíptico

La película que puede contarse dentro de los márgenes de la ciencia ficción o en el género fantástico concretamente ya que su trama está cargada de elementos sobrenaturales, es la historia de Alexander (Erland Josephson) un periodista que ante la amenaza de una guerra nuclear renuncia a todos sus bienes y a su familia con tal de evitar el desastre y termina por incendiar su casa (el director recupera el tema de la casa destruida).

Pero Alexander se siente angustiado también pero la desolada falta de espiritualidad que caracteriza el mundo contemporáneo, además esta convencido que una de sus criadas es una bruja que tiene el poder de salvar el mundo, tras destruir su casa con fuego es finalmente considerado un loco y termina en un manicomio.

Para interpretar al personaje del hombre que prende fuego a su casa para alejar la guerra nuclear el director recupero a Erland Josephson el cual iba a poder actuar en su lengua materna, el resto de reparto era internacional y se utilizaría la post sincronización de las voces en sueco, destaca la actriz francesa Valerie Mairesse y la actriz inglesa Susan Fleetwood.

La influencia de Chejov

Como es habitual se distingue por su asombrosa belleza de forma notable sobre todo en los conocidos planos secuencia y largas tomas.

Una puesta en escena basada en la estrategia teatral con las escenas que suceden en el interior de la vivienda que desprende reminiscencias del autor ruso Antón Chejov, donde parece que no ocurre nada y sus personaje solo hablan y añoran.

Aunque el país en que se desarrolla la acción esta desdibujado y no existe referencia alguna solo se cita que es Europa, tampoco hay acontecimiento histórico concreto, solo hay un dato temporal en forma de una nota de Alexander antes de consumar sus terribles acciones 19 de junio de 1985.

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