Bonnie y Clyde
Película policial de 1967 de Arthur Penn protagonizada por Warren Beatty y Faye Dunaway, en los personajes centrales de Bonnie Parker y Clyde Barrow, también presenta en papeles secundarios a Michael J. Pollard, Gene Hackman y Estelle Parson.Guion de Robert Benton, David Newman.
El New Hollywood
La película es considerada una de las primeras representaciones de la era llamada “Nuevo Hollywood”, que rompe con muchos tabúes cinematográficos y muestran la contracultura, la película despertó el entusiasmo de otros cineastas llevándolos a ser más abiertos al presentar el sexo y la violencia en la película.
La película supuso una autentica revolución y junto a “Easy Ride”, serán los representantes de la contracorriente, renovando viejas formulas. “Bonnie y Clyde” es una especie de road-movie con escenas de robos y asaltos que rebasaba a todos los niveles la violencia, conocidos en el cine de Hollywood.
Autores franceses en el proyecto
El guión y el proyecto venia de David Newman y Robert Berton , dos periodistas de “Esquire” habían creado una especie de film barato, un anti-film para círculos restringidos y minoritario, estos dos reporteros habían quedado conmocionados con “Al final de la escapada” de Jean-Luc Godard y con “Jules and Jim” de Truffaut, ofrecieron el proyecto a los dos directores pero ambos rechazaron la oferta y se descarto la idea.
Personajes reales
Los guionistas se enteraron de una historia sobre una pareja de ladrones de banco, Bonnie Parker y Clyde Barrow, celebres en el medio oeste y el sur de los Estados Unidos a principios de los años 30, realmente como asaltantes de bancos habían sido un desastre, pero los guionistas se dieron cuenta del atractivo de su estética y del mensaje de vida al limite.
La pareja criminal viajo por todo los E.U con su pandilla durante la Gran Depresión, se habían hecho populares por la prensa sensacionalista durante los años 1931-1935, la prensa le atribuyo todo tipo de crimines pero ellos preferían robar pequeños comercios o gasolineras, hasta funerarias rurales. Los guionistas se tomaron mucha libertad para conseguir una esencia más personal, de autor y no adulterar las leyendas ya inspiradas.
Proyecto Warren Beatty
Perjudicado siempre por su imagen de “play boy”, Warren Beatty, estaba harto de esta imagen y tras acabar de finalizar “Acosados”, un thriller del realizador Arthur Penn, estaba cansado que Marlon Brando , Montgomery Clift y James Dean ,se les hubiera tomado más en serio que a el debido a su imagen con las mujeres. Decidió el mismo empezar a crear su propio material, buscar guiones y directores adecuados.
Al actor tan solo le había gustado dos películas que le habían ofrecido la psicológica “Lilith” de Robert Rossen y la Kafkiana “Acosado” que estaba influenciada por la estética de la Nouvelle Vague que resulto un fracaso de público mas no de crítica.
Fue cuando le llego el guión de “Bonnie and Clyde”, Warren tenia ambición de productor , este se hizo con el proyecto y convenció a los estudios Warner en hacer la película, la presento como una película adecuada para conectar con todo el público que estaba cansado de los espectáculos de las viejas majors y propuso a Arthur Penn para la dirección , ya que era muy hábil en la manipulación de la violencia y la disconformidad con la sociedad , pese a todas las reticencias el estudio acepto.
Warren Beatty no solo recibiría reconocimiento real , sino logro una gran contribución al llamado “New Hollywood” y fue una de las pocas grandes estrellas que arriesgaron su carrera, su reputación y su dinero promoviendo o colaborando con un film de gran dificultad comercial “Bonnie and Clyde” vio la luz gracias al tesón y convencimiento del actor por el proyecto.
La elección de los personajes
Con Warren Beatty en el papel de Clyde Barrow , la elección de Bonnie Parker fue más compleja , se pensó para el papel en Jane Fonda, Tuesday Weld, Ann-Margret , Carol Lynley, Sue Lyon y Cher que incluso llego hacer varias pruebas ya que buscaba un papel que la convirtiese en una actriz dramática gracias a un film tan controversial.
Finalmente el papel fue para Faye Dunaway que destacaba tanto por su belleza y personalidad y podía demostrar que era una gran actriz, el personaje de Bonnie es el que más prevalece por tener mayor riqueza y dolorosa complejidad.
Todo el reparto de secundarios estaba plagado de actores novatos como Gene Hackman, Estelle Parsons, Michael J. Pollard que interpreta a C.W.Moss el que chico que ayuda a la pareja en todo y el actor cómico Gene Wilder debutaba en el cine.
El guión de Berton y Newman era directo en el manejo de la sexualidad de Clyde, con un atrevimiento inusual a la hora de hablar con toda franqueza sobre la homosexualidad del personaje y con una carga explosiva que necesitaba los estímulos del personaje de C.W.Moss, el joven que los acompaña, para mantener relaciones con Bonnie, resumiéndose en un trió, este tema era aun un tabú en el cine comercial convirtiéndolo en un film incorrecto, era demasiado para cualquier gran estudio. Decidiendo cambiar todo el tema de Clyde sobre la homosexualidad y su gusto por los tríos a ser retratado con un problema de impotencia.
Estética e influencia de la película
La película y los personajes se alejan de las convenciones del típico film de gánster , era una especie de saga por la depresión de los años 30 , este contexto social de la América de la depresión le apasionaba a Penn , representándolas con pequeñas pinceladas.
Otra de las novedades es que la interpretación de esta película de gánsteres tuvo un enfoque moderno al ser concebida con una veracidad y comedia, junto a la violencia, el director realizo algunas de las escenas más violentas pero con un tono cómico a veces incluso con reminiscencias de las películas bufonescas al estilo “Keystone Kops”, para luego cambiar a una desconcertante violencia horrible y grafica.
Beatty quería un enfoque para la película muy del estilo de la Nueva ola francesa y Penn era un director que usa un estilismo, más próximo al cine europeo que al norteamericano. El film se distancia de todas las formas habituales de Hollywood y recurrente a los primeros planos y recursos que utilizo Godard en “Al final de la escapada”, además de mostrar a una Faye Dunaway completamente desnuda. Un punto importante para el look de la película fue la fotografía de Burnett Gufey.
Los títulos de crédito están realizados a base de fotografías y texto que se intercalaron con documentales de la época, además el álbum de la autentica banda Barrow dando a entender que la historia fue real, como metraje encontrado, la historia pasaba de este blanco y negro al color de la ficción.
Cuando la película estuvo terminada, el estudio no sabía qué hacer con la película y se decidió estrenar en un autocine en Dallas, el 22 de setiembre.
La Warner no creía en la película, y la planifico como una simple producción de serie B, e inicio únicamente su distribución en cines secundarios y en Drive-in-theatres del Midwest, pero cuando la crítica del país la descubrió empezó a escribir maravillas y más cuando , los jóvenes acudieron en masa a verla , resultando todo un éxito.
Estrenada en Nueva York obtuvo duras criticas , calificada de sórdida , barata y descarnada, sin embargo a Pauline Kael , le encanto la película , aunque era una recién llegada su crítica, tenía una visión fresca , diferente y siempre defendió la autoría del director, como un artista creador y dedico un articulo a la película llamándola “una película auténticamente americana y emocionante”.
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EL ZURDO
Película estadounidense de 1958 dirigido por Arthur Penn protagonizado por Paul Newman en el papel de Billy el niño y John Dehner como Pat Garret.
A partir de un guion de Leslie Stevens que a la vez basado en otro guion televisivo de Gore Vidal
Penn dirige su primera película para la televisión con un western realmente original y no oculta sus tics televisivos, además no solo es Penn es que viene de la televisión, sino el guionista Stevens y esto se nota en toda la película.
Western innovador sin gran espectacularidad con un Paul Newman que supo sacar provecho al personaje un rebelde y fuera de ley con un mostrario completo de los típicos métodos del “Actor Studio”, un método que el director Penn critico hasta la saciedad.
Penn contaba con unas 200 emisiones de televisión y numerosas realizaciones teatrales, cuando atrajo la atención de Hollywood y fue invitado a hacer su debut después del éxito que habían tenido directores televisivos como Delbert Mann y Sidney Lumet. Además era la época en la que el western se beneficiaba del talento de los mejores directores del momento como Samuel Fuller y Delmer Dave y el nacimiento del llamado western psicológico.
Penn contaba con unas 200 emisiones de televisión y numerosas realizaciones teatrales, cuando atrajo la atención de Hollywood y fue invitado a hacer su debut después del éxito que habían tenido directores televisivos como Delbert Mann y Sidney Lumet. Además era la época en la que el western se beneficiaba del talento de los mejores directores del momento como Samuel Fuller y Delmer Dave y el nacimiento del llamado western psicológico.
Extraño y diferente western que más parece una tragedia shakesperiana ubicada en Nuevo México.
EL MILAGRO DE ANA SULLIVAN
Película de 1962 que relata la historia de la maestra Ana y sus primeros intentos por enseñar a comunicarse a la joven sorda y ciega Helen Keller.
Está basada en la obra de teatro de William Gibson de 1959 que se adapto inicialmente para un drama televisivo de 1957.
Cuenta con la actuación de Anne Bancroft y Patty Duke, ambas habían interpretado los roles en el teatro y fueron premiadas por el Oscar de la Academia por sus actuaciones.
A pesar de que Bancroft había ganado el Tony a Mejor Actriz por la producción en Broadway, la elegida para la película fue la más comercial Elizabeth Taylor , pero Penn insistió en que ser Brancroft y se mantuvo leal a su estrella que había dirigió en la producción de Broadway.
Hellen Keller escribió una autobiografía titulada “La historia de mi vida” en 1902, pero no fue hasta 1959 que se adapto para el teatro dirigida por Penn y escrita por William Gibson.
La película fue un éxito inmediato de crítica y éxito comercial moderado y contenía un trabajo asombroso e impresionante que deriva del gran poder de las actuaciones.
Parte de un material muy bien conocido por Penn quien dirigió la temporada de 1959-1961 donde dio hasta 719 actuaciones.
Penn da una dirección austera que contiene la fuerza de la obra escénica original y permite que la cámara capture a los actores utilizando valientes primero planos de las actuaciones, consiguiendo una obra de arte de la actuación.
Patty Duke debuto en el cine y lo hizo con una perfección absoluta , tenía 16 años y se hace pasar por una niña de 11 años.
Aunque Penn consigue un trasposición libre de las tablas de la escena no deja de ser un ejercicio deudor a la obra de teatro, pero donde el director demuestra que es un director de actores talentoso, limitando escenas en el exterior y centrándose en las actuaciones.
Mickey one
Neo noir estadounidense de 1965 dirigida por Penn , escrita por Alan Surgal y protagonizada por Warren Beatty
La película se basa en el estilo y el legado de la nueva ola francesa y fue considerada como “pretenciosa” por parte de la crítica.
Filmada en blanco y negro, influenciada por las corrientes narrativas de Europa, desconcertó al público de la época y termino condenada al fracaso en taquilla. Tampoco gusto a la critica sin embargo se trataba de una de las películas más singulares del director.
Penn abrazo la “nouvelle vague” y se inspira en su estética, sonido y atmosfera y el galán romántico Warren Beatty se arriesga a protagonizar un drama de tintes oscuros y algo sórdido, un bufe de paranoia, Kafka y surrealismo.
La historia de un hombre huyendo , que vive al límite , Mickey un cómico de discoteca de Detroit que se ve perseguido y amenazado por la mafia y huye a Chicago con una nueva identidad, viviendo un mundo de pesadilla, de paranoia , cinismo y soledad implacable, mostrando de forma sórdida los bajos fondos de la ciudad de Chicago.
Penn eligió un salario modesto a cambio de conseguir una libertad absoluta, pero el público norteamericano no estaba preparado para este enfoque de cine de autor , resultando una película muy extraña, dispersa en estilo y llena de metáforas visuales, una neurosis que se convierte en una aventura kafkiana.
Hoy la película está olvidada e invisible.
THE CHASE
Arthur Penn conto con un gran reparto coral Marlon Brando. E.G. Marshall, Angie Dickinson, Jane Fonda, Robert Redford y Miriam Hopkins, basada en una historia de Horton Foote y el guion de Lillian Hellman.
Con su tema de la opresión e hipocresía en una pequeña comunidad rural sureña, fue una de las primeras películas que abordaba la historia con realismo y crudeza, sin censuras ni finales felices muy influenciados por el cine de autor que se hacía en Europa.
Hellman construye un guion brillante queda la posibilidad de lucimiento del reparto, es considerada una de las obras máximas de Marlon Brando.
Una historia explosiva de una enorme critica sobre la sociedad americana de los años 60 con personajes mezquinos, envidia, el racismo, la libertad sexual, los rencores, la incomunicación y gente que se aburre y ahoga sus miserias en el alcohol. Pocas veces se ha hecho un retrato tan visceral y pesimista del ser humano como en esta película.
Fue otra obra incomprendida en su tiempo que constituyo un fiasco en taquilla sin precedentes ya que no gusto como quedaba retratada la sociedad americana y el pesimismo y desesperanza que transmitía.
Adelantada a su tiempo se ha ganado con los años su merecida categoría de obra maestra y muy interesante en muchos aspectos.
LA NOCHE SE MUEVE
El actor Gene Hackman venía de protagonizar “La Conversación” de Coppola y fue clave para la elección del casting de Penn y el guion de Alan Sharp mezcla tres géneros, el cine negro, el road movies y el cine de aventuras, clasificándose como Neo-Noir.
A Penn le sedujo la idea de realizar un film policial, sobre un investigador privado con un inmenso actor como Hackman que interpreta al detective Harry Moseby , ex jugador de futbol americano quien su mujer engaña con otro y es contratado por una actriz decadente y alcohólica quien le encarga la búsqueda de su hija adolescente desaparecida de su casa.
Brillante puesta en escena, para recrear el ambiente costero de Florida, donde transcurre la acción muestra una inhóspita ciudad como telón de fondo de atmosfera pesada y húmeda y carente de todo glamour.
Catalogada de cine negro moderno o “Neo-noir” de la década de 1970 donde se prioriza la profunda psicología y una atmosfera melancólica, era toda una evolución del genero con una imagen del detective privado más compleja.
La película atrajo a los espectadores pero fue injustamente valorada por la crítica, mas tarde reivindicada por muchos como la mejor película de Penn.
MUERTE EN EL INVIERNO
Película de suspense y terror de Arthur Penn de 1987 protagonizada por la actriz Mary Steenburgen , es una nueva versión de la película de 1945 “Mi nombre es Julia Ross” del director Joseph Lewis, más que un remake es un homenaje.
Trepidante thriller basado en la tradición del legendario maestro del suspenso de Alfred Hitchcock, un relato de engaño, chantaje, asesinato y en el nada es lo que parece, influenciada por películas como “Sospecha”, “La ventana indiscreta”, “Psicosis” y “Vértigo”.
También recuerda a Roman Polanski muy apropiada cuando la heroína experimenta la claustrofobia.
Está lleno de horror, emoción y un montón de escalofríos en una época más invernal del año con nieve, viento y una vieja casa espeluznante.
La película destaca por la habilidad de los actores, el trabajo de cámara, iluminación y diseño de escenografía.