The Lost Weekend (1945)

Hollywood nunca había tratado el alcoholismo de forma seria , ni realista estaban relegados a papeles secundarios, en borrachines simpáticos que , siempre eran las figuras cómicas y las payasadas ,representaban en basarse en que no podían mantener el equilibrio, veían doble , no encontraban las cosas, que eran esperados en sus casas por sus mujeres para ser agredidos detrás de la puerta con el rodillo para amasar, lo cómico era la dignidad perdida y esto ocurría con actores como Mack Senett, Charles Chaplin en las películas mudas y en sonoro por W.C Fields.

Todo esto cambio cuando en 1945 el director Billy Wilder, descubre un libro de éxito llamado “The lost weekend” de Charles R. Jackson que describe con tensión, cinco días en la vida de un alcohólico, el libro era autobiográfico sobre un escritor que al no poder alcanzar sus propias aspiraciones se convierte en un bebedor, relataba de forma descarnada y exactitud dónde conduce el alcohol, para Wilder era casi un estudio de la enfermedad, la historia de una rápida degeneración.

Wilder convence a Charles Beackett para adaptar la novela, el guionista estaba dispuesto aunque no compartía del todo el entusiasmo del director porque era un tema inusual , en esa época no era habitual convertir a un alcohólico, en el protagonista de un drama cinematográfico.

Las dudas de la Paramount

Wilder y Brackett , tenían que convencer al estudio de tratar un tema tan sórdido, para poder pasar la censura el guion que difiere , con el libro al omitir de forma notable la supuesta homosexualidad no aceptada ,del personaje que parece una de las causas de su alcoholismo , aunque en la película se puede dejar hacer pensar el tema, la idea de Wilder era enfatizar el lado romántico con su novia y crean un “final feliz”, para poder convencer a una temerosa Paramount.Para convencerlos de rodar la película Wilder se centro en la historia de amor entre la chica del escritor que lo apoya y lo salva, más un “final feliz” que termine con un punto de esperanza , pero este final realmente es incierto ya que en cualquier momento podía darse la habitual recaída. 

Tanto Wilder como Brackett, querían vulnerar los principios básicos y tomar un tema que nunca se había tomado en serio o se pasaba por alto como la depresión maniaca del alcoholismo , retratarlos como una enfermedad y no como un bufón como se acostumbraba hacer .

 El actor adecuado

El director Wilder había visto en Nueva York, la obra de Shakespeare “Otelo”, donde vio a un joven actor llamada José Ferrer que interpretaba a Yago y Wilder vio en el actor el más indicado para el papel de Don Birnam , tenía claro además que quería un actor poco conocido para hacer mas creíble el papel , pero el estudio no pensaba igual exigió una estrella temeroso a que el publico rechazo una cara desconocido. El estudio quería Ray Milland un actor popular pero no que precisamente muy respetado por sus dotes actorales, pero también era ideal para el papel porque no era divertido y no provocaba risa. La Paramount pensaba que el actor para el papel debía tener buen aspecto, simpático y querido por el público, para que la gente se llene de compasión, se identifique y las escenas dramáticas funcionen.

Milland se mostro inicialmente reticente sobre el tema de la película y no estaba seguro de cumplir las expectativas dramáticas que exigía el papel, sobre todo las escenas de delirium tremens , además la novela le parecía deprimente además al ser tan solo un actor popular era toda una oportunidad de cambiar su imagen y el ritmo de su carrera , con un personaje que podía alcanzar un alto grado de emotividad y desesperación.

Milland es apoyado en su actuación por Jane Wyman, Phillip Terry, Doris Dowling y Frank Faylen.

Melodrama Noir

Wilder opto por una puesta de cine negro aunque se trata de un drama, aunque no sea un drama criminal, pero se le añade un estilo oscuro para transmitir espectros y desesperación. Su estructura y elementos son los propios del thriller y la serie negra.

Además se juga con los elementos de la voz en off y los flashbacks para crear el relato oscuro en forma de confesión al descenso de los infiernos y la forma más realista era utilizando el estilo “noir".

Ducodrama

"Estamos en las autenticas calles, bares y hospitales de New York"

La película no solo combina un estilo expresionista de cine negro sino el realismo documental siendo una de las primeras aportaciones americanas de este tipo de cine real cuyo ejemplo, más notable era el cine en que en ese momento estaba realizándose en Italia. Wilder insiste en rodar parte de la película en localizaciones de la ciudad de Nueva York para crear una clara sensación de realismo, ayudado por el fotógrafo John F. Seitz que realizaría un gran recurso de iluminación de sombras para enfocar al personaje desgarrado.

No solo era rodar en las calles de Nueva York mostrando sus calles como un documental sino sus tiendas de licores, bares, peluquerías y puestos de frutas y como telón de fondo se viera Empire State Building que en aquella época sobresalía de su entorno.

El personaje de escritor alcohólico que no puede controlar sus arrebatos , se convierte en un hombre arruinado , física, moral y económicamente y queda totalmente desprovisto de personalidad en la secuencia en que Milland tiene que liberarse de su máquina de escribir y va a una casa de empeño a otra que por una fiesta está cerrada, se filmaría donde se encuentra la mayoría de casas de empeño ,el actor aparece sin afeitar, vestido con su traje arrugado y la máquina de escribir bajo el brazo recorre la tercera avenida . Se establecieron determinados puntos fijos para las cámaras escondidas en grandes cajas a lo largo de un recorrido de rodaje y situado en escaparates vacios ocultas y para poder seguir al protagonista cámaras dentro de camiones también dentro de cajas.

Con las cámaras ocultas se podía captar al actor entre los peatones que no sabían que se estaba filmado.

La producción también consiguió el permiso sin precedentes para filmar dentro del Hospital Bellevue en los pabellones de alcohólicos rodadas como si fuera un horror de gran sala.

Música de Miklós Rózsa

La parte musical era de suma importancia, ya que era la primera vez que Hollywood muestra por primera vez el drama real del alcoholismo como una película cruda , en forma de pesadilla y que debe retratar de manera sórdida, la decadencia física y moral del personaje principal.

Miklós Rózsa, crea una potente y emocional música con la ayuda de un instrumento el “Theremin” que podía crear el patetismo del alcoholismo, ya lo había utilizado en “Recuerda” de ese mismo año de Hitchcock para crear emociones profundas.

Aquí es aun más espeluznante presentando por primera vez lo que se puede llamar música electrónica con el “Theremin” que produce sonidos oscilantes, mareantes como de algo de otro mundo para poder expresar la percepción de distorsión de la realidad convertidas en pesadillas.

Primer pase de la película

Una vez completada la película se mostro a la audiencia en una vista previa en Santa Barbará pero fue un estrepitoso fracaso, la película se rio de lo que se consideraba las escenas mas dramáticas, desde el principio cuando el hermano del protagonista descubre el alcohol colgado en la ventana, además se llamo exagerada la actuación de Milland , la gente abandono la sala quedando casi vacía.

Las primeras críticas fueron demoledoras, repugnantes, repulsivas y aburrida el film no fue comprendido por los espectadores, la película se archivo.

Revisada por segunda vez, el estudio llego a la conclusión que la banda sonora de Miklós Rózsa no se había incluido en la película, sino una fuerte banda sonora de jazz alegre la reacción fue muy distinta.

Éxito de la película

Wilder no solo revoluciono sino innovo a la hora de hablar de forma seria y abierta un tema tabú sobre el alcoholismo como una enfermedad moderna. Describe un escrito sin éxito sometido permanentemente a una presión que no puede soportar, sin demasiada autoestima caerá en una adicción que lo llevara a una su propia destrucción, perdiendo su dignidad convirtiéndose incluso en ladrón.

La película gano cuatro Oscar de la Academia “mejor película”, “mejor director”, “mejor guión” y “mejor actor” para Milland. El mismo éxito resulto ganadora la película en el “Festival de Cannes” con la Palma de oro a la película y nuevamente Milland es premiado a “mejor actor".

Ray Milland ganaría por igual “El globo de oro” y de “los críticos de Nueva York”.

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