Anna Magnani
Actriz italiana, conocida como “la musa del neorrealismo”, empezó su carrera en el teatro, las variedades, el café teatro y el cabaret preferentemente era una actriz cómica.
Acepto aparecer en el cine en los años 30 con pequeños papeles aunque siempre llenos de fuerza y personalidad, su revelación se produce en la película manifiesto del neorrealismo “Roma ciudad abierta” en 1945, donde interpreto un papel dramático y logro gran notoriedad tanto en Italia como en el mundo.
En su larga filmografía fueron sus trabajos junto a los directores italianos más renombrados de la historia con los que realizaría obras de gran calidad (Rossellini, Visconti y Pasolini) además de forjar su imagen y su forma de actuación.
Tuvo una carrera corta en Hollywood , ocurrió lo que con muchas actrices italianas “que hacemos con ella”, realizo tan solo tres peliculas pero eran vehículos muy cuidados , dos adaptaciones de obras de teatro de su gran amigo Tennessee Williams y un melodrama considerado menor en la filmografía de George Cukor , donde realizo una actuación insólita.
Fue en su Italia natal y dirigida por autores europeos donde obtuvo sus más recordados papeles. Con el análisis de cinco peliculas de la actriz podemos ver no solo su evolución sino la evolución del cine italiano.
Roma ciudad abierta (1945) película- manifiesto del neorrealismo
Constituye la obra más importante y representativa del neorrealismo italiano y da a conocer al cine italiano a nivel mundial.
Drama bélico neorrealista italiano dirigido por Roberto Rossellini y co escrito junto a Sergio Amidei y Federico Fellini , la historia está ambientada en Roma 1944 y sigue a un grupo diverso de personas que se enfrentan a la ocupación nazi.
Obra de la precariedad
En 1944 inmediatamente después de la guerra todo estaba destruido en Italia , no solo el cine sino todos los ámbitos , los productores habían desaparecidos como la industria organizada pero existía el “toda iniciativa en buena”, dentro de todo lo malo esto dio libertad y la situación extrema el carácter experimental , Rossellini tenía un guion escrito con algunos amigos que había sido realizado cuando aun los alemanes ocupaban el país.
Durante los nueves meses de la ocupación alemana en Roma, el director tomo conciencia de los crímenes, atrocidades , fusilamientos y torturas contra los sospechosos que participaban en el grupo de la resistencia por los nazis.
La intención de Rossellini es hacer un cortometraje documental sobre la figura y obra de Don Morosino ,un cura fusilado por los alemanes, el guion había sido elaborado junto a Sergio Amidei, Fellini y el periodista Alberto Consiglio , pero poco a poco nacieron mas ideas y personajes todos ellos victimas recientes, convirtiéndose en un largometraje , con el eje central de un sacerdote que confecciona documentos falsos para la comunidad de la resistencia.
El rodaje empezó con pequeñas cantidades y sumas de dinero y en condiciones precarias las instalaciones de Cinecittà, no estaba disponible porque había sido destruida después de la guerra y convertido en un albergue de desplazados, vagabundos y gente sin hogar es cuando surgió la idea de rodar en exteriores en las calles con decorados reales, abriendo una puerta a una nueva realidad por medio de las limitaciones.
La idea del equipo no fue realizar una obra que revolucionara el cine “lo importante era volver a trabajar y explicar con una película lo que había sucedido y se había vivido en Roma”.
“Roma ciudad abierta” es un cine que nace de la miseria de una post guerra, no existen manifiestos, ni voluntad de renovación de forma consciente pero se convierte en la obra fundamental del movimiento neorrealista.
No se podía trabajar con sonido y se filmo como una película muda y después fue post sonorizada, los laboratorios cinematográficos estaban cerrados y era también difícil conseguir película virgen, pero existía la absoluta libertad y creatividad pero nacida sin conciencia. El escaso efecto fotográfico de los exteriores con tan solo luz natural y demás limitaciones técnicas se reflejan en la película.
Siempre se ha afirmado que fue rodada en exteriores y las calles de la misma Roma acabada la ocupación alemana, en los mismos espacios donde tuvo lugar los hechos históricos, pero también se rodo en pequeños sets improvisados para los interiores.
La revelación de una trágica
Rossellini opto en su mayoría por actores no profesionales para la película pero hubo dos excepciones Aldo Fabrizi era un actor relativamente conocido para el papel de sacerdote Don Prieto que tenía el papel más exigente.
Anna Magnani conocida principalmente en el teatro de variedades como actriz cómica es contratada por Rossellini , esta ya llevaba en el cine desde los años 30.
Después de numerosos papeles menores sobretodo en comedias aunque llenos de fuerza y personalidad, obtenía el papel de Pina donde surgiría la gran Magnani actriz trágica revelada por el neorrealismo.
También se conto con Marcello Pagliero que hace un excelente trabajo como el líder de la resistencia , pero el Anna Magnani quien brilla por encima de todos con un papel que aporta fuerza , humildad , sencillez y sinceridad.
En el film hay tres grandes historias Don Prieto, Pina y Manfredo y junto a ellos muchas pequeñas historias que forman una historia coral de la vida italiana de aquellos momentos.
Pero es Magnani quien gala de una actuación desgarradora y talento interpretativo dramático y el público italiano la convierte en la portadora del autentico drama que se vivió en Italia bajo el nazismo, consiguió dar una voz, un rostro a la difícil supervivencia y a todo un pueblo.
Los discursos de Magnani propicia alguna de las escenas más conmovedoras de la película y la escena de su muerte es la más recordada de la historia del cine en general fue filmada con dos cámaras rodando al mimo tiempo.
Melodrama y documental
La intensión de la Rossellini era que la película tenga un estilo documental o noticiario hacer de ella un efecto en sus imágenes que den la sensación de una experiencia real de algo que había sucedido realmente, además era un tema muy actual la Roma ocupada por los nazis en 1944, haciendo que su fuerza insólita sea su puesta en escena realista.
Pero su narrativa es clásica aunque este rodada en estilo documental, además Rossellini consiguió dramatizar las escenas más duras como el asesinato de pina que está embarazada, las escenas en el cuartel del general nazi donde se realizan las torturas y la ejecución de Don Prieto, consiguiendo un tono más melodramático que documental.
Recepción de la película
La película se estrena en Italia en 1945 sobre una Roma aun sin reparar por la guerra fue recibida tras su estreno con una recepción media, el público italiano necesitaba escapismo después de todo lo ocurrido, sin embargo poco a poco se fue haciendo popular, ya a punto de desaparecer en un pequeño festival italiano solo recibió silbidos y en 1946 en el Festival de Cannes gana la Palma de Oro pero no tiene tanto eco en la prensa.
Pero es justo en Paris dos meses más tarde donde recibió el entusiasmo de los críticos que Rossellini ya no esperaba, llamando además la atención internacional sobre el cine italiano y llamado de “Nuevo cine”. Estrenada en los E.U en 1946 tuvo gran éxito por su look completamente diferente del que la mayoría estaba acostumbrada y fue calificada como una película “realista".
El neorrealismo es marcado por los críticos como el inicio del “cine moderno” por su fuerte transgresión estilística y “Roma ciudad abierta” junto a “El ladrón de bicicletas” de Vittorio de Sica marcaron las cumbres de neorrealismo.
El amor
“Esta película está dedicada a toda la capacidad de actuación y al arte de Anna Magnani”.
Pelicula de 1948 de Roberto Rosellini , protagonizada por Anna Magnani y que consta de dos episodios “La voz humana” y “El milagro”, dos historias insólitas y completamente distintas, el objetivo de la película es hacer una pieza de arte y ensayo como homenaje al arte de la actriz.
La voz humana
Obra de teatro de 1930 del dramaturgo Jean Cocteau era un monólogo que fue creado en parte por las quejas de sus actrices que decían que sus obras ofrecían pocas oportunidades para los personajes femeninos, es cuando el dramaturgo decide escribir una obra exclusivamente para ser interpretado por una actriz.
Cocteau, originalmente escribió el monólogo para Edith Piaf, pero ella no quiso estrenarlo, no quería hacer una obra sin músicos, no se atrevía a interpretar sin cantar, sentía que no podía expresar físicamente lo que la mujer de la obra debía expresar.
“La voz humana” es una larga conversación telefónica de una mujer con el amante que la acaba de abandonar para casarse con otra y consta de un asombroso recital interpretativo la obra de tres actos es la conversación donde se despiden y hablan por última vez a la distancia.
Cocteau creó el papel para un tipo de actriz muy concreta debía ser sugerente más que melodramática una verdadera mujer herida pero no en tono heroico.
En una sesión privada antes de su estreno en 1932 fue menospreciado por los surrealistas el grupo al que pertenecía Cocteau.
Sin embargo el dramaturgo había creado una nueva estructura para la escena teatral, no solo se reduce en un monólogo telefónico de una mujer, el amante está ausente y del cual nunca oímos su voz, un lenguaje cotidiano y popular, el eje central un teléfono, la metáfora de la perra abandonada del amante, eran realmente de gran modernidad. Para el autor la actriz había de interpretar dos papeles a la vez, mientras habla y mientras escucha.
La cámara microscopio
Magnani encontró una razón para el espectáculo con una obra desgarradora como “La voz humana” además era un texto que no le era ajeno ya que lo había interpretado en el año 1943 en los teatros de Roma.
No era nada fácil para Rossellini llevar el texto al cine, corría el riesgo de que la película cayera en aburrimiento, ya que solo constituía un único decorado interior pero contaba con la mejor ayuda posible, Magnani que no solo le dio enorme veracidad al papel sino demuestra que solo ella puede llenar la pantalla.
Rossellini aplica lo que llamo su “cámara microscopio” para examinar el corazón humano por medio del rostro y hacer un estudio del rostro humano, pone a Magnani con un personaje sobrecogedor bajo un microscopio.
Con esta cámara descubre sentimientos ocultos y una asombrosa galería de rostros femeninos angustiados, su trabajo de experimentación no es nada ajeno y esta a la altura de lo realizado por Dreyer con los primeros planos de María Falconetti como Juana de Arco.
Rodar el célebre monólogo de Cocteau era además todo un ejercicio de virtuosismo técnico cerca de 40 minutos se permanece en un solo escenario, con un único personaje y casi siempre en primer plano , la actriz muestra movimientos y gestos y la cámara se acerca , se aleja , vuela , apunta y se centra en ella.
El decorado es mínimo, pero no carece de importancia ya que es una habitación testigo del drama y Rossellini se ayuda de todos estos detalles, además de ruidos de la casa, algunos objetos, el espejo, el teléfono y la iluminación para Magnani , además de la cámara microscopio para ver las emociones mas exteriorizadas.
La voz humana se divide en tres partes de forma muy marcada como en el teatro y Magnani crea un personaje complejamente profundo pero que evoluciona.
En el teatro se marca una distancia entre el personaje/actriz y los espectadores, pero la cámara de Rossellini anula esta distancia para acercarse aun mas al realismo y al personaje/actriz , la cámara puede ir mas allá de la representación teatral y hace visible todas las realidades , gestos y miradas ocultas que quedan ocultas para las butacas.
Para los puristas del neorrealismo este primer episodio no es más que un constante primer plano de la actriz, una aproximación al dolor y la intimidad que termina en convertirse en un hecho estético, fue atacado porque constituía solo un lucimiento de actriz altamente emocional.
El milagro
Se incluyo dos mediometrajes para poder ser comercializado como una película, el segundo segmento lleva el nombre de “El milagro” escrito por Fellini y Tullio Pinelli.
Completamente diferente en estética es otra historia de amor no correspondido Naddi es una campesina que desde la ignorancia o la locura , confunde a un vagabundo con San José y queda embarazada y cree llevar en su vientre al hijo de Dios , igualmente que “La voz humana” se hace hincapié a la soledad de la mujer.
Este segundo episodio es mucho más complejo y arriesgado, no solo trata sobre la soledad sino la confusión mental, la creencia de los milagros, la obsesión religiosa y Magnani compone un papel más intenso, frágil.
La historia está marcada por una fuerte tendencia neorrealista en un ambiente rural y miserable, transita prácticamente en exteriores en la naturaleza pero es un descenso a los infiernos.
“El milagro” tiene una gran calidad estética, aunque es un historia devastador aprovecha todos los exteriores al máximo abriendo la película.
Formas de amor
Aparentemente son dos episodios independientes que solo tiene en comun la protagonista pero realmente están estrechamente vinculados entre las dos historias, hay dos mujeres que viven un amor no correspondido y experimentan un autentico calvario, un largo camino que la conduce a la soledad absoluta y víctima de un amargo dolor.
Pero las dos viven todo esto de forma diferente la primera lo vive desde la desesperación, el limite casi al borde de un ataque de nervios, la segunda asume el dolor desde la humildad aunque se convierte en un calvario y visceral es una experiencia intima.
La película sorprendió sobre todo por su crueldad, también despertó una fuerte polémica , los sectores de la iglesia lo consideraron una broma de carácter altamente blasfemo sobre la Inmaculada Concepción y las alusiones al nacimiento de Jesús de una campesina.
La otra parte para los puristas neorrealistas traicionaba el movimiento, por su alto contenido emocional rompiendo la distancia con el espectador.
“El amor” tenía una clara voluntad de experimentar el lenguaje cinematográfico, dar una nueva concepción y es por eso que ya se define a Rossellini como el iniciador del cine moderno.
Tanto “Roma ciudad abierta” como “El amor” ostentan el titulo del cine moderno europeo y que más tarde daría luz en los años 60 al cine de Antonioni.
En “La voz humana”, Magnani es ayudada por la cámara y la iluminación, solo le basta un gesto, la flexión de la voz y el rostro como repertorio de matices. Y el trabajo de cámara de Rossellini al que llamo “microscopio”.
Bellísima
Maddalena todo eso no es más que una fabula
Drama italiano de 1951 dirigido por Luchino Visconti y protagonizada por Anna Magnani con un guion de Francesco Rosi y Suso Cecchi D’Amico y Visconti que adaptaron una historia del gran creador de guiones Cesare Zavattini.
Madre obstinada
La historia de Maddalena es una mujer que solo tiene el deseo de convertir a su hija de tan solo 7 años interpretado por Tina Apicello en una estrella de cine, además de creerla la más bella y talentosa y para eso la lleva a un concurso organizado por los estudios Cinecitta , Maddalena ha puesto toda la fe y anhelos en la niña hasta la ceguera.
Pero la película es además una sátira sobre la industria cinematográfica de la postguerra, los sueños del estrellato alentados por el mismo movimiento neorrealista que saco a miembros comunes del público, para aparecer en las producciones y muestra el mundo brutal y endurecido del cine.
Pelicula critica con la realidad pero también habla de los sueños, anhelos y esperanzas.
El personaje a pesar de su obsesión es una trabajadora infatigable que se sacrifica para comprarle un vestido o llevar a su hija a la peluquería y darle algo mejor de lo que ella ha podido conseguir para sí misma convirtiéndose verdaderamente en lo que se llama “una madre coraje”, pero termina por ser una historia dura cuando la protagonista se da cuenta de la imposibilidad de sacar a su hija de su misma situación , pese a luchas contra todo los numerosos golpes morales la lleva a evolucionar y recuperar su dignidad y la de su hija una niña simplemente asustada.
Pelicula experimental (drama y comedia)
La película por mucho tiempo se considero menor en la filmografía de Visconti , para el director fue otro experimento , otro ejercicio de contenido había realizado dos obras neorrealistas como “Ossessione” y “La terra tembla” convirtiéndose en uno de los precursores del neorrealismo italiano , pero el siempre estuvo más interesado en realizar peliculas de “arte” que movimientos cinematográficos, sus dos primeros films eran “experimentación”.
Aquí predomina el tono cómico, el humor y la ironía siendo la única en la carrera de Visconti y la mas italiana de todas sus peliculas.
Es una tragicomedia rodado con vehemencia y desaforada, hasta el límite desgarrador de la derrota y el dolor, además el director mostro un pulso neorrealista con una sociedad menos sórdida pero con personajes llenos de frustraciones, perdidos en valores, afectados y alienados.
Pese a ser una obra admirable, no fue del agrado de Visconti, en su momento la película tampoco tuvo éxito y se considero un “genero de madre” lleno de tópicos.
Pelicula monumento a Magnani
Una madre volcánica, lenguaraz, apasionada, gesticular y gritona solo podía dar vida y hacerla increíble y llena de carisma una actriz, Anna Magnani y solo con los años se considero uno de los mejores y más auténticos films de la actriz.
Tanto Magnani como Visconti juntos realizan una película que no deja de ser una crítica al neorrealismo, el movimiento que el propio director y actriz ayudaron a consolidar.
Visconti logra hacer el retrato más adorable y encantador que hizo jamás de un personaje femenino.
Pero el director confesaría que le gusto poco la película , debido a que Cesare Zavattini el creador de la historia y Magnani tuvieron una fuerte unidad y colaboración influenciaron con ideas que muchas veces sobrepaso al director.
En 1951 Visconti se encontraba en pleno proceso de transformación como cineasta entre sus inicios neorrealistas a sus peliculas más refinados y majestuosas se encuentra con esta película puente en su carrera y donde Magnani termina por robar la película al director, por eso “Bellísima” carece de la personalidad de Visconti y lleva toda la personalidad de Magnani. La película completamente centrada en el personaje de Maddalena Cecconi , brilla con luz propia , el director le dio bastante liberta para improvisar y esta creo la concepción del personaje junto a Zavattini.
La cámara recoge y acompaña en todo momento a Anna apareciendo en todas las escenas y acaparando toda la atención del espectador La actriz demuestra ser capaz de elevar cualquier trabajo hasta el punto de convertirla en una película de Anna Magnani.
Viento salvaje
Anna Magnani creó una interpretación distinta, no su habitual trabajo de mujer feroz , sino más sutil de un tono, más bajo.
La película se realizo después de la actuación de Anna Magnani en “La rosa tatuada” su debut en Hollywood una pieza de Tennesse Williams, y para su siguiente película se quería una adaptación de la novela de Vittorio Nino Novarese. Este era el remake de una versión italiana de 1946 que interpreto Isa Pola titulada “Furia”.
El guion de Arnold Schulman traslada la acción original a un rancho de ovejas en Nevada, era una nueva versión de la devastadora y pasional novela de Novarese , sobre inmigrantes italianos en E.U, el reparto estaba repleto de nombres de origen italiano y es una de las pocas incursiones de la actriz en el cine de habla inglesa.
Gino es un rico ganadero de nevada de origen italiano que decide casarse con Gioia la hermana de su mujer ya fallecida y la que hace venir desde Italia y esta se encuentra completamente perdida en la hacienda de Gino , es toda una adaptación de la mujer en un nuevo país , el rancho , la nueva familia , las nuevas circunstancias.
Director a medida
La película está protagonizada por Magnani, Anthony Quinn y Anthony Franciosa.
Y dirigido por George Cukor el llamado y encanillado como “director de mujeres” , aunque sus peliculas están lleno de personajes masculino de gran inteligencia gracias a su habilidad para dirigirlos , este hará un trabajo especial y especifico con Magnani.
Para Cukor Magnani, “hace una interpretación muy insólita no en su habilidad de interpretar mujeres feroces aquí muestra una actuación más sutil ,con un tono bajo pero lleno de matices".
Pese a su deliberado artificio en la atmosfera y la cierta tendencia al histrionismo de los actores la película gracias a Cukor es un melodrama contenido con pocos personajes pero intensas situaciones.
Anthony Quinn está bastante eclipsado por la forma en que Magnani y Franciosa asumen sus roles y la pasión que muestran juntos en las escenas.
Cukor salió airoso con la película aunque siempre se ha considerada menor en la carrera de el director logro las libertades sexuales y que el estudio aceptara su final como el de su guionista a diferencia de la novela original y la versión italiana donde Gioia muere como castigo habitual al adulterio en “Viento salvaje”, Cukor hace que triunfe el personaje femenino por todos lados resultado muy moderno para la época.
Melodrama ambientado en la comunidad de la cría de caballos, en un entorno hostil , salvaje , solitario y rural donde toda la acción esta dentro de los personajes y son las escenas arrolladoras de Magnani y Franciosa las que le da toda la fuerza a la película.
Con esta película convertida en melodrama Hollywood presentaba además provocadoras y polemicas relaciones apasionadas entre una mujer madura y el hijastro de hombre con quien se había casado , el director siempre sintió una especial simpatía para los personajes femeninas para los que perseguir el sexo era algo vital.
La película no tuvo éxito, tuvo más éxito la canción principal de la película interpretada por Johnny Mathi que se escucha en los créditos.
Pese a ser una cuidada producción de Hollywood llena de talentos y grandes medios, el papel de Magnani , Gioia no está a nivel de sus anteriores interpretaciones pero si es distinto , aunque lo aborda con garra es mucho más contenido pero no por eso el nivel inferior. Quedo demostrado que lo mejor de la actriz se realizaba en su Italia nata.
Mamma Roma
El cine de Pasolini desde su inicio no es que guste a todos, no está hecho para todos y muchas veces sus peliculas han sido opacadas por su capacidad por escandalizar y sus constantes broncas con la ultra derecha
Drama italiano de 1962 escrito y dirigido por Pier Paolo Pasolini y protagonizado por Anna Magnani. Fue el segundo largometraje de Pasolino tras su sonado debut con “Accattone” de 1961 para esta película el director cuenta con la inestimable ayuda de Anna Magnani, la gran actriz del cine italiano especializada en la tragedia y vinculada estrechamente con el neorrealismo.
Tragedia de amor materno
Anna encarna en el film a Mamma Roma , que se encuentra en un momento culminante de su vida por fin tras años de ejercer de prostituta en un barrio pobre de la capital italiana ha conseguido el dinero suficiente para cambiar su situación social y trabajar en un mercado , poder mudarse a una nueva casa de un barrio burgués y traerse consigo a su hijo adolescente Ettore que dejo al cuidado de unos campesinos cuando era un bebe.
Los personajes llevan unas grandes contradicciones el deseo por obtener una posición social para con su hijo de parte de la madre, quien en realidad aspira a una vida fácil como pequeño delincuente, los deseos pequeño-burgueses de la madre chocaban constantemente con la desorientación de un hijo que ha crecido solo.
El film sigue dos vidas paralelas la de Mamma Roma, y la de Ettore la primera perdida y confundida entre sus propias aspiraciones y valores pequeño burgueses y condenada a la marginalidad pese a su lucha y el segundo nuevo en la ciudad e igual de perdido.
La película tiene tres personajes esenciales Ettore el hijo , Mamma Roma y la misma ciudad de Roma , un personaje mas pero esta es una ciudad insólita que nada tiene que ver la película de William Wyler “Vacaciones en Roma” ,la ciudad que dibuja Pasolini aplasta a los personajes.
Aunque el personaje intente cambiar todo lo que le rodea y la ciudad de Roma le acaba siempre le recordara de donde viene y que es imposible salir de su pasado.
“La calle puede ser destructiva de forma implacable y muy ingrata para personas que la habitan y encuentran allí su medio de vida, malviven de malos oficios y se encuentran con la crueldad de lo que solo lo utilizan como lugar de paso y tienen una existencia confortable”
Renovación del neorrealismo
Tan igual que en “Accatone” Pasolini quiere crear una atmosfera de realidad y veracidad y para eso recurre al neorrealismo aunque llevado a su terreno para reflejar con absoluta autenticidad ambientándolas en barrios bajos y sus espacios para eso cuenta con la obra maestra de la fotografía de Tonino Delli Colli, ambos recurren a los planos secuencia , primero planos , sonido directo pero lejos del neorrealismo más clásico porque esta mas centrado en sus personajes que en el rodaje de exteriores.
La película es seca, desnuda, descarnada, directa pero con personajes altamente emocionales y en el centro de todo Anna Magnani.
La banda sonora
Pasolini al igual que en “Accattone” choca utilizando para la banda sonora música clásica creando un contraste con los ambientes de la historia utilizando la música de Bach y Vivaldi para demostrar que en este ambiente y personajes también existe la belleza y darles un aire de tragedia inevitable a los personajes.
Magnani y Pasolini
Pasolini necesitaba de Magnani para este personaje, con este papel logra alcanzar el cenit de su carrera como actriz, ambos moldearon y crearon un personaje perfecto y extraordinario de forma naturalista.
Aunque es la constante degradación del personaje de Ettore marca el tono y el ritmo de la cinta es la Magnani la que se apodera de todas las escenas.
La gran actriz italiana apoya con toda su experiencia al novel director Pasolini y esta sostiene todo el reparto de actores no profesionales y eso hace que se utilizara en ellos menos complejidad dramática y se concentrara todo en la experimentada actriz.
Pasolini creó monólogos solo para ella, como testamentos donde cuenta su historia pero en largos planos secuencia y de forma dinámica. Juntos logran que el personaje tenga matices más sutiles y mostrarse de alguna manera menos histriónica gracias al método de actuación que el personaje adopto.
La película cuenta con una cantidad simbólica que el director utiliza sobretodo temas con la religión como la escena de la muerte de Ettore como la figura de Cristo pintado por Andrea Mantenga, lo mismo con la boda de Carmine que representa la ultima cena de Leonardo da Vinci.
Inicialmente Pasolini intenta mostrar cierta distancia con el espectador pero al final termina por ser una película altamente dramática y emocional que hace imposible la distancia .
La controversia de la película
Pasolini fue aun más lejos que “Accatone” al pivotar una historia en torno de una madre que intenta por todos los medios de salvar a su hijo de un ambiente hostil.
El director realiza sus dos primeras peliculas en la época del llamado “milagro económico” de Italia donde se publicitaba la sociedad del bienestar pero aun había gente que estaba encadenada a la pobreza y la exclusión tanto económico como moral y mostraba una parte de la población de los desprotegidos de la Italia de post guerra, personas derrotadas.
La intención de Pasolini era que la sociedad reaccionara por medio de incomodar.
La película causo un gran revuelo en su estreno en el Festival de Venecia de 1962 pero nadie pudo negar la calidad del film, ni el inmenso trabajo de Magnani, pero la película fue denunciada por ofender a las buenas costumbres.
Durante el festival se difundieron mensajes en contra del director que decían: “Basta ya de apostar por fango , basta ya de invertidos , prostitutas, chulos, gentuza y atracadores , desechos humanos que son el argumento de las morbosas fantasías de la llamada intelectualidad de izquierda una cultura invertida y vagabunda".
En el festival el extremismo de la derecha expresa, el punto de vista en buena parte de los asistentes al festival “molestos” porque el subproletariado Pasolini ocupaba los lugares reservados a los invitados selectos del festival.
La Roma excluida no gusto en nada en el festival, aunque se califico la actuación de Magnani como de indomable.
En su estreno en Roma, después de un año Pasolini fue atacado por los fascista y la derecha neofascista que protestaron contra la película , como ya había sucedido con “Accattone” fue agredido físicamente en el estreno.
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