The Lost Weekend (1945)
Hollywood nunca había tratado el alcoholismo de forma seria , ni realista estaban relegados a papeles secundarios, en borrachines simpáticos que , siempre eran las figuras cómicas y las payasadas ,representaban en basarse en que no podían mantener el equilibrio, veían doble , no encontraban las cosas, que eran esperados en sus casas por sus mujeres para ser agredidos detrás de la puerta con el rodillo para amasar, lo cómico era la dignidad perdida y esto ocurría con actores como Mack Senett, Charles Chaplin en las películas mudas y en sonoro por W.C Fields.
Todo esto cambio cuando en 1945 el director Billy Wilder, descubre un libro de éxito llamado “The lost weekend” de Charles R. Jackson que describe con tensión, cinco días en la vida de un alcohólico, el libro era autobiográfico sobre un escritor que al no poder alcanzar sus propias aspiraciones se convierte en un bebedor, relataba de forma descarnada y exactitud dónde conduce el alcohol, para Wilder era casi un estudio de la enfermedad, la historia de una rápida degeneración.
Wilder convence a Charles Beackett para adaptar la novela, el guionista estaba dispuesto aunque no compartía del todo el entusiasmo del director porque era un tema inusual , en esa época no era habitual convertir a un alcohólico, en el protagonista de un drama cinematográfico.
Las dudas de la Paramount
Wilder y Brackett , tenían que convencer al estudio de tratar un tema tan sórdido, para poder pasar la censura el guion que difiere , con el libro al omitir de forma notable la supuesta homosexualidad no aceptada ,del personaje que parece una de las causas de su alcoholismo , aunque en la película se puede dejar hacer pensar el tema, la idea de Wilder era enfatizar el lado romántico con su novia y crean un “final feliz”, para poder convencer a una temerosa Paramount.Para convencerlos de rodar la película Wilder se centro en la historia de amor entre la chica del escritor que lo apoya y lo salva, más un “final feliz” que termine con un punto de esperanza , pero este final realmente es incierto ya que en cualquier momento podía darse la habitual recaída.
Tanto Wilder como Brackett, querían vulnerar los principios básicos y tomar un tema que nunca se había tomado en serio o se pasaba por alto como la depresión maniaca del alcoholismo , retratarlos como una enfermedad y no como un bufón como se acostumbraba hacer .
El actor adecuado
El director Wilder había visto en Nueva York, la obra de Shakespeare “Otelo”, donde vio a un joven actor llamada José Ferrer que interpretaba a Yago y Wilder vio en el actor el más indicado para el papel de Don Birnam , tenía claro además que quería un actor poco conocido para hacer mas creíble el papel , pero el estudio no pensaba igual exigió una estrella temeroso a que el publico rechazo una cara desconocido. El estudio quería Ray Milland un actor popular pero no que precisamente muy respetado por sus dotes actorales, pero también era ideal para el papel porque no era divertido y no provocaba risa. La Paramount pensaba que el actor para el papel debía tener buen aspecto, simpático y querido por el público, para que la gente se llene de compasión, se identifique y las escenas dramáticas funcionen.
Milland se mostro inicialmente reticente sobre el tema de la película y no estaba seguro de cumplir las expectativas dramáticas que exigía el papel, sobre todo las escenas de delirium tremens , además la novela le parecía deprimente además al ser tan solo un actor popular era toda una oportunidad de cambiar su imagen y el ritmo de su carrera , con un personaje que podía alcanzar un alto grado de emotividad y desesperación.
Milland es apoyado en su actuación por Jane Wyman, Phillip Terry, Doris Dowling y Frank Faylen.
Melodrama Noir
Wilder opto por una puesta de cine negro aunque se trata de un drama, aunque no sea un drama criminal, pero se le añade un estilo oscuro para transmitir espectros y desesperación. Su estructura y elementos son los propios del thriller y la serie negra.
Además se juga con los elementos de la voz en off y los flashbacks para crear el relato oscuro en forma de confesión al descenso de los infiernos y la forma más realista era utilizando el estilo “noir".
Ducodrama
"Estamos en las autenticas calles, bares y hospitales de New York"
La película no solo combina un estilo expresionista de cine negro sino el realismo documental siendo una de las primeras aportaciones americanas de este tipo de cine real cuyo ejemplo, más notable era el cine en que en ese momento estaba realizándose en Italia. Wilder insiste en rodar parte de la película en localizaciones de la ciudad de Nueva York para crear una clara sensación de realismo, ayudado por el fotógrafo John F. Seitz que realizaría un gran recurso de iluminación de sombras para enfocar al personaje desgarrado.
No solo era rodar en las calles de Nueva York mostrando sus calles como un documental sino sus tiendas de licores, bares, peluquerías y puestos de frutas y como telón de fondo se viera Empire State Building que en aquella época sobresalía de su entorno.
El personaje de escritor alcohólico que no puede controlar sus arrebatos , se convierte en un hombre arruinado , física, moral y económicamente y queda totalmente desprovisto de personalidad en la secuencia en que Milland tiene que liberarse de su máquina de escribir y va a una casa de empeño a otra que por una fiesta está cerrada, se filmaría donde se encuentra la mayoría de casas de empeño ,el actor aparece sin afeitar, vestido con su traje arrugado y la máquina de escribir bajo el brazo recorre la tercera avenida . Se establecieron determinados puntos fijos para las cámaras escondidas en grandes cajas a lo largo de un recorrido de rodaje y situado en escaparates vacios ocultas y para poder seguir al protagonista cámaras dentro de camiones también dentro de cajas.
Con las cámaras ocultas se podía captar al actor entre los peatones que no sabían que se estaba filmado.
La producción también consiguió el permiso sin precedentes para filmar dentro del Hospital Bellevue en los pabellones de alcohólicos rodadas como si fuera un horror de gran sala.
Música de Miklós Rózsa
La parte musical era de suma importancia, ya que era la primera vez que Hollywood muestra por primera vez el drama real del alcoholismo como una película cruda , en forma de pesadilla y que debe retratar de manera sórdida, la decadencia física y moral del personaje principal.
Miklós Rózsa, crea una potente y emocional música con la ayuda de un instrumento el “Theremin” que podía crear el patetismo del alcoholismo, ya lo había utilizado en “Recuerda” de ese mismo año de Hitchcock para crear emociones profundas.
Aquí es aun más espeluznante presentando por primera vez lo que se puede llamar música electrónica con el “Theremin” que produce sonidos oscilantes, mareantes como de algo de otro mundo para poder expresar la percepción de distorsión de la realidad convertidas en pesadillas.
Primer pase de la película
Una vez completada la película se mostro a la audiencia en una vista previa en Santa Barbará pero fue un estrepitoso fracaso, la película se rio de lo que se consideraba las escenas mas dramáticas, desde el principio cuando el hermano del protagonista descubre el alcohol colgado en la ventana, además se llamo exagerada la actuación de Milland , la gente abandono la sala quedando casi vacía.
Las primeras críticas fueron demoledoras, repugnantes, repulsivas y aburrida el film no fue comprendido por los espectadores, la película se archivo.
Revisada por segunda vez, el estudio llego a la conclusión que la banda sonora de Miklós Rózsa no se había incluido en la película, sino una fuerte banda sonora de jazz alegre la reacción fue muy distinta.
Éxito de la película
Wilder no solo revoluciono sino innovo a la hora de hablar de forma seria y abierta un tema tabú sobre el alcoholismo como una enfermedad moderna. Describe un escrito sin éxito sometido permanentemente a una presión que no puede soportar, sin demasiada autoestima caerá en una adicción que lo llevara a una su propia destrucción, perdiendo su dignidad convirtiéndose incluso en ladrón.
La película gano cuatro Oscar de la Academia “mejor película”, “mejor director”, “mejor guión” y “mejor actor” para Milland. El mismo éxito resulto ganadora la película en el “Festival de Cannes” con la Palma de oro a la película y nuevamente Milland es premiado a “mejor actor".
Ray Milland ganaría por igual “El globo de oro” y de “los críticos de Nueva York”.
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MARTY
Película de 1955 dirigida por Delbert Mann un director que venía de la televisión en su debut como director de cine, el guion escrito por Paddy Chayefsky que adapto su obra televisiva de 1953, que protagonizo Rod Steiger.
En 1955 la televisión norteamericana era ya la reina de los hogares, mientras el cine luchaba buscando nuevos formatos panorámicos, sin embargo un director de televisión salto al cine para hacer su opera prima Mann iniciaba la llamada “generación de la televisión”, para la cual adaptaría al cine un enorme éxito televisivo. Para el guionista Paddy Chayefsky “me propuse escribir una historia de amor, la historia de amor más común y corriente del mundo, no quería que él fuera guapo y no quería que la chica fuera bonita, quería escribir una historia, tal como habría ocurrido literalmente”.
Para la modesta producción el protagonista Steiger rechazaría la oferta de retomar el papel para el cine y el protagonismo recae en Ernest Borgnine , quien cambio de registro ya que casi siempre interpretaba personajes rudos o antipáticos , pero esta vez se muestra inmenso en un drama, cambio de registro robando el corazón al espectador con una interpretación de gran hondura emocional, dejando de lado los papeles secundarios por su primer protagonismo.
El papel de Clara inicialmente iba a ser retomado por la actriz Nancy Marcahne que había interpretado el papel para la televisión, sin embargo la actriz Betsy Blair estaba muy interesada en interpretar el papel y presiono para conseguirlo. Para la película Esther Minciotti, Augusta Ciolli y Joe Mantell repitieron sus papeles para la producción cinematográfica.
Marty es un carnicero soltero que todavía vive con su madre, suele salir con frecuencia con sus amigos por la noche intentando encontrar a alguna chica con la que compartir su vida, pero sin resultados, ante su edad es presionado por su madre, sus clientes y amigos. Es un retrato simple y austero sobre gente corriente que gira sobre un carnicero de Brooklyn que no tiene nada que hacer ante el rechazo sistemático de las mujeres.
Para lograr la hondura psicológica y emocional del personaje central se utiliza el estilo realista y más sencillo posible, haciendo enorme a Borgnine.
Evocación realista de la ciudad
El director Mann era un hombre de televisión y centro su trabajo en esta película en la veracidad muy alejado del sofisticado mundo de Hollywood, en completa contracorriente de las ampulosas y espectaculares producciones de los estudios.
Era una época de mucho cine italiano de De Sica o de Rosellini , que hacían un cine sobre personas, un cine europeo que nos cuenta un profundo sentimiento humanista de la vida de pequeños grandes héroes. Inspirándose en el neorrealismo italiano el guionista Paddy Chayefsky se propuso escribir los diálogos como si los estuvieran copiados de una grabación.
La película hace una cosa que en su momento era particularmente única y es rodar el metraje en un distrito magnifico, poco glamoroso y poco utilizado como el Bronx en el Little Italy, donde se filmaron los exteriores y muchos de sus interiores. Muchos de los melodramas y comedias románticas sofisticadas habituales de los estudios se rodaban en Hollywood pero esta película rompía lo habitual y se rodo donde se desarrolla la historia el Bronx neoyorquino, Delbert Mann se esfuerza en que se vean sus calles, cafeterías, salas de fiesta y autobuses nocturnos, rara vez se había filmado en este distrito.
Inicialmente la película se lanzaría como un segundo largometraje de cartel en función doble en los cines pero el guionista Chayefsky , insistió en que el estudio lo estrenara en teatros de arte y ensayo en Nueva York , donde recibiría criticas muy favorables, convirtiéndose en un éxito de taquilla.
Gozo además de un gran éxito internacional, ganando la “Palma de Oro” en el Festival de Cannes, consiguiendo ser el primer film americano que gana este premio.
Nominada a ocho Oscar de la Academia, ganaría cuatro de los más importantes a “Mejor Película”, “Mejor Director”, “Mejor actor” y “Mejor guion”. La Academia se inclino ese año con un film de apariencia pequeña, ante todo pronóstico desbancaba a grandes favoritas de la Academia como “Al este del Edén” de Elia Kazan o producciones importantes como “Picnic” y otros dramas épicos y lujosos musicales de pantalla ancha.
El estilo de telefilm de “Marty” aportaba un agudo contraste a los grandes espectáculos a todo color del cine, cambia la mentalidad de los grandes estudios que descubrían que las películas de bajo presupuesto y con actores que no fueran cabeza de cartel, podían cosechar un gran éxito artístico y económico.
Paddy Chayefsky gano ese año el premio al Mejor Guion y había sido elogiado por los críticos como el escritor que propone nuevos caminos en el cine, con una real alternativa al escapismo hollywoodense “Me hubiera sentido defraudado sino hubiera ganado, creo que Marty es lo mejor del año” declaro en rueda de prensa en la ceremonia y luego se negó a posar con Jane Mansfield argumentando que “no era el tipo de publicidad que prefería”.
Ernest Borgnine que había demostrado de mas su talento evidente pero en personajes duros y violentos , demuestra que no solo puede ser un buen secundario sino el protagonista con un evidente talento dramático, ganando el premio a Mejor Actor de la Academia superando a James Dean, James Cagney y Frank Sinatra.
High Noon "Solo ante el peligro"
Western de 1952 de Fred Zinnemann y protagonizado por Gary Cooper, Grace Kelly, Lloyd Bridges, Katy Jurado y Thomas Mitchell.
La película rompía y cambiaba varias de las reglas del western, presentando aquí a un protagonista, como un hombre asustado y preocupado en vez de sin miedo y se esfuerza por superar su miedo. Los críticos y el público que esperaban persecuciones, peleas y paisajes espectaculares, los elementos comunes del tradicional genero quedaron confundido al encontrarse en gran medida con un dialogo emocional y moralista.
La película puede tener que ver con la épica del western, pero es muy diferente a los trabajos de John Ford, Anthonny Mann y Howrad Hawks hay pocos tiroteos, alguna que otra pelea y ni una sola persecución a caballo, muchos diálogos pero con un suspense que va en crescendo, calificada como el “primer western adulto o psicológico”
La película es una nueva era del western donde la acciones es desplazada por el suspenso y la violencia se traslada del plano físico al psicológico.
Era una adaptación de 1947 de la historia de John Cunningham llamada “The tin start”, el guion fue creado por Carl Foreman quien a la vez se inspiro en una vivencia personal cuando fue llamado a presentarse ante el comité de Parlamento sobre Actividades Antiamericanas para testificar y donde se negó a dar información y pasaría a formar parte de las listas negras, en forma de alegoría Foreman declaro sentirse solo como el personaje del sheriff Kane en la ficción. No solo era Foreman , sino el director de fotografía Floyd Crosby y el actor Lloyd Bridges eran simpatizantes del partido comunistas , pero caso especial era el del guionista que fue tildado de “testigo hostil y no cooperativo” e ingreso a las listas negras de Hollywood.
Fred Zinnemann demostró mucho coraje cuando decide saltarse varias de las reglas no escritas que se encontraban en el género, con un hombre asustado que tiene que superar su miedo a la muerte, aunque esta dentro del género del western está llena de elementos de suspenso. La heroicidad de Kane es forzada rechaza huir pero espera un bien colectivo, los habitantes no son una admirable comunidad de pioneros sino un colectivo insolidario y no deslumbra paisajes monumentales sino un sofocante solo abrasador y un pueblo reseco y polvoriento.
Cooper dudaba bastante frente al argumento casi inexistente pero comprende que era una historia adulta, inteligente y que daba una nueva vida al western usando el suspenso, la descripción del héroe que propone Zinnemann está en el lado opuesto del que componía John Wayne, Kane es más humano, tiene miedo, dudas y lo hace notar, le tiemblan las manos, y sufre con el sol y el polvo de las calles.
Tiempo real
Esta es una de las primeras películas que hacen uso del tiempo real, ya que la película dura lo mismo que los sucesos. El hecho de que la película se aproxime a la total sincronización con el tiempo del relato hace que los relojes cobraran una vital importancia y Zinnemann hicieran un gran énfasis en los relojes.
Un incremento gradual de relojes ya sea en la iglesia, estaciones de trenes, habitaciones , en el salón , esta presencia de relojes parece casi un recordatorio constante para el personaje y al espectador el peligro que se cierne , enfatizando aun mas esta tensión que vive el personaje.
De corta duración una intensidad de carga psicológica, un suspense y un ritmo inolvidable, esta era una producción de serie B y un bajo presupuesto pero con un gran equipo artístico y dominado por la icónica presencia de Gary Cooper, quien consigue una de sus mejores actuaciones con su famoso rostro inmutable pero cargado de terror en cada plano. En una desesperada peregrinación en busca de ayuda, el sheriff va encontrando como todo el mundo le da la espalda, dejando a Kane en una crítica situación moral donde debe afrontar valor, dudas, miedo pero con una profunda convicción, lo demuestra con simples y pequeños reparto de gestos convirtiendo la historia en intensa y profunda.
Acompañado por Grace Kelly en su primera película es utilizada para los fotogramas publicitarios de forma muy atractiva, más que nada por la comercialización del producto, se ahorro mucho presupuesto contratando a la actriz debutante.
La presencia de actriz mexicana Katy Jurado eclipsa a la novata Kelly, obteniendo una nominación de la Academia a Mejor Secundaria, como la dueña del salón con un pasado difícil en el que ha sabido sobrevivir.
No solo es la estupenda actuación de Cooper, acompañado con la inconfundible música de Dimitri Tiomkin y bajo la supervisión del productor Stanley Kramer, una película que llevaba toda la carga negativa de la reputación de izquierdas del guionista Carl Foreman , sin embargo ganaría los premios a “Mejor Actor” para Cooper, el montaje y la banda sonora.
Película antiamericana
El actor John Wayne confeso su desagrado tras ver la película considerándola “la mas anti americana que había visto en toda su vida”, lo mismo pensó el director Howard Hawks quienes respondieron con el film de 1959 “Rio Bravo”, que mostraba a un sheriff seguro de sí mismo y que no pedía ayudar a otros habitantes aunque estos se lo ofrecen desinteresadamente debido que le estaban pagando por hacer un trabajo y no quería que mataran a inocentes.
Para Hawks le parecía “absurdo que el sheriff Kane corra por la ciudad como gallina asustada, pidiendo que lo ayuden, esta no es la idea que tengo yo de un sheriff del oeste”.
El director Zinnemann respetaba y admiraba al director Hawks, pero le pidió que “dejara sus películas en paz”, defendiendo además su historia que tiene lugar en el viejo oeste, es en realidad la historia sobre el conflicto de conciencia de un hombre.
HUD
Película del oeste protagonizada por Paul Newman , Melvyn Douglas, Brandon de Wilde y Patricia Neal dirigido por Martin Ritt
Guion de Irving Ravetch y Harriet Frank Jr de la novela de 1961 de Larry McMurtay.
El personaje principal de la película es Hud un personaje secundario en el guion original pero que fue reelaborado como papel principal para ser interpretado por Newman.
Anti western
Un nuevo ejemplo de un anti-western o psicológico, un drama sureño generacional sobre personajes reales del genero y ganadores de Texas, pero en realidad es un drama tenso, no es un western clásico sino está entre medio camino entre la tradición y la modernización de una época que se acaba y otra que empieza.
Habitualmente calificado como un western, es en sí un drama sin concesiones, duro, agrio y conmovedor por momentos, con paisajes típicos y momentos terribles. Un western modernizado que explica los cambios de signos del occidente en una América modernizada.
Pese a que se trata de una historia oscura fue bien aceptada por el público que algunos encontraron que era un cambio refrescante con respecto a los western más antiguos.
Brillantes actuaciones
Una vida arrasada por una enfermedad del vacuno, mujeres que buscan un lugar donde quedarse y jóvenes rebeldes todo en un extraña melancolía, nostalgia que anticipa el drama y cuenta con magnificas actuaciones de primer nivel.
El personaje de Hud fue concebido, como un personaje encantador pero moralmente repugnante, pero su amoralidad paso simplemente por alto a la audiencia que lo vio como algo heroico. Newman compone un personaje antagónico, un autentico rebelde demostrando que es un actor enormemente capaz de disfrazar la maldad pura y dura con una buena presencia, gracias a toda una actuación heredada del “Actor Studio”.
El personaje era secundario en la novela pero para ser interpretado por el actor se convierte en el centro de la historia, un personaje como este habría sido completamente castigado o reformado en el tercer acto, pero en este caso no obtiene ninguna redención. La película hace todo lo posible para humanizar el personaje que se hundió en el alcoholismo tras matar a su hermano en un accidente automovilístico. Ante todo lo inesperado el público lo vio como un héroe cuando es retratado como una persona moralmente indefendible.
Otras fuertes actuaciones elevaron la película como la de Melvyn Douglas y Patricia Neal. Douglas ofrece una actuación poderosa, desgarradora y generalmente gris sin emociones que encajan perfectamente con el país viejo y crea el conflicto generacional con su hijo simbolizando el pasado. El anciano ganadero considera que su propio hijo es una vergüenza para su hogar.
Patricia Neal en el papel de una ama de llaves solo aparece en la película unos veinte minutos pero su trabajo deja un impacto duradero, donde tiene que lidiar y luchar en un mundo de hombres, actuando con una sensualidad tórrida gano un merecido Oscar por su actuación.
Los personajes son auténticos e interesantes con fuerte conflicto internos y relaciones familiares complejas.
En el apartado técnico el director de fotografía James Wong Howe film en blanco y negro para elevar sus tendencias dramáticas , creando tonos claros y oscuros desequilibrando y creando la sensación de “espacio infinito”, convirtiendo más que un western en un drama al aire libre.
El personaje propuso a Newman una merecida nominación al Oscar, la película obtuvo siete nominaciones y gano tres en el apartado de “Mejor Actriz” para Neal , Melvyn Douglas ganaría a “mejor actor de reparto” y la fotografía de James Wong Howe.
La película es muy deprimente, oscura y emocionalmente agotadora no es una experiencia agradable sin embargo posiblemente se trate de una de las mejor películas de Texas de todos los tiempos.
El estudio encontró el personaje de la historia repelente que intenta convencer al director Ritt un cambio al final y matar Al personaje de Hud o algún tipo de redención de último minuto, pero tanto Ritt como Newman acordaron dejar las cosas como estaban.
