La señora de todos- Max Ophüls
El director alemán Max Ophüls abandona su Alemania natal huyendo del nazismo en auge para instalarse en Francia , eran tiempos convulsos y tiene una breve parada en otro estado fascista la Italia de Mussolini y logra hacer una de sus obras maestras.
Producción de Ángelo Rizzoli
El productor italiano Ángelo Rizzoli Quería hacer una gran producción italiana que sea Cosmopolitan , con una adaptación del escritor de éxito en su momento Salvator Gotta de la cual se enamoro leyendo la novela ,quería una película que pueda competir con las producciones norteamericanas para eso hizo venir al director Max Ophüls Y crear una nueva estrella.
Además de unir el cine, la industria musical y la discografía realizando un personaje que sea una actriz que además sea cantante.
Gaby Doriot habla de su vida
El productor Rizzoli quería realizar la película con una actriz llamara Isa Miranda, una actriz que hasta el momento fue toda una sorpresa ya que tan solo había actuado en alguna película pero no que había tenido éxito alguno y esta película convertiría a Miranda en una estrella tanto nacional como internacional, además de hacerla lucir como una especie de combinación de Greta Garbo y Marlene Dietrich.
Isa Miranda interpreta a una actriz famosa llamada Gaby Doriot intenta acabar con su vida cuando su manager la encuentra y la lleva al hospital, allí la anestesian y ella empezara a recordar su vida y sus amores y toda su vida antes de hacerse famosa. El papel de Miranda está completamente lejos de todo tipo de “femme fatale” ,es un ser humano real y frágil que si cuenta su verdad no hay nada que escribir de ella , su actuación fue aclamada unánimemente por la prensa como la revelación de la película.
La actriz además es apoyada por dos grandes estrellas Memo Benassi y sobretodo la actriz rusa Tatiana Pavlova que es toda una representación tensa y fantasmal en la película.
Virtuosísimo con la cámara Radiografía de una mujer basada en la estructura de flashbacks
La película fue rodada en escenarios naturales de Italia y en los cines estudios de Roma, aunque gran parte de la historia transcurre en Paris, esta dividida como en el teatro en actos. La película tuvo problemas con la censura en Italia por su temática tabú, en cuanto el adulterio y el suicidio, sin embargo lograron saltar a la pantalla.
Virtuosísimo con la cámara
La película es demasiado sofisticada, alejada de todo modelo y es un ejemplo extravagante estético de la cámara muy alejada de lo que era el género de teléfonos blancos, la película estaba elaborada con una buena estructura del flashbacks.
El director utilizo famosos movimientos de cámara y travelling. Un estilismo que acompaña en a la historia, en los protagonistas y moviéndose por espacios imposibles, rodada en cámara virtuosa, presenta innovaciones de trabajo de cámara con tomas largas, travelling que siguen los personajes con gran habilidad, tomas sin cortes , panorámicas y elaboración de flashbacks.
En la película tuve un gran éxito, conquisté, lo que toda la gente llama felicidad, pero en la vida siempre he estado sola, cuando quise volver a la realidad a mí mismo ,era demasiado tarde para mi
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CARTA DE UNA DESCONOCIDA
“Cuando leas esta carta, yo habré muerto, pero quiero contarte mi vida que sepas que esta vida fue siempre la tuya, aunque tú nunca lo supieras”.
Joan Fontaine y su esposo Bill Doziaer habían creado una productora llamada “Rampant”, cuyo objetivo eran sólidos papeles de prestigio para la actriz y eligieron la novela de Stefan Zweig y para eso contrataron al director Max Ophüls quien realizaba su tercera película en los Estados Unidos y para su adaptación a Howard Koch.
La novela publicada por Zweig en 1922, está contada en una extensa y largo monologo íntimo y sentimental que no deja indiferente a ningún lector, ambientada en la Viena de 1900. Fue uno de los últimos films de director en lo E.U antes de volver a Europa que acababa la Segunda Guerra Mundial. Le interesaba la película sobre todo por su ambientación.
Ophüls intento realizar cambios respecto a la novela, ahora el protagonista pasaba de un escritor a músico, lo que se aprovecharía al máximo para inundar la película de música clásica, tanto como de fondo, como en su narrativa.
En la novela el personaje de Lisa da un giro trascendental en su vida, sobre todo después de tomar la decisión de tener a su hijo y convertirse en una madre soltera y por motivos de la censura se decidió suavizar la historia en el film, pese a eso la película no pierde nada de fuerza, ni de intimidad en la narración.
Un retrato de mujer y de la fatalidad, contada por la cámara
La novela como la película, cuenta una historia de amor no correspondido, es más ignorado, una historia de la libertad de amar y elegir, frente a las convenciones, aunque están tenga un final fatalista. En ella hay dos historias vitales, una de Lisa y la otra de Stefan Brand , un músico romántico, mujeriego, seductor , pero abocado al fracaso.
Esta historia es contada atreves de retrospectivas, donde la narración da saltos , al pasado y al presente.
El director asume con autenticas ganas, la dirección, uno de los atractivos era que le concedieron absoluta libertad a la hora de adaptar la novela. Además podía reconstruir y captar las imágenes de “una melancólica Viena” en estudio.
La cámara de Ophüls con sus amplios movimientos, las enormes panorámicas, la narración en flashback, planos largos, dimensiones espaciales, y las muy destacadas panorámicas en la escalera de Lisa.
El director mueve su cámara sobre las personas en muchos casos en situaciones de ascenso, caída o para mostrarnos los sentimientos más íntimos de los personajes, pero a la vez estos no se contempla solo con el movimiento de cámaras, se mueven y actúan.
“Pobrecitos para mis padres fue el final y para mi solo el principio, cuando regrese a Viena ya no pensaba en ella como tu ciudad, sino ahora sería nuestra ciudad”
Al servicio de Joan Fontaine
El origen del proyecto, fue el interés de la actriz Joan Fontaine quien quería un personaje con altas posibilidades de lucimiento personal y al alcance de su talento, encontró esta novela narrada en flashback y contada en primera persona como un largo monologo lo que daba un sentimiento de intimidad y revelación de sentimientos que podía beneficiar su actuación , además de convertir al espectador en un cómplice de la emotiva historia.
La actriz pensaba que la historia debía ser dirigida por un director europeo y eligió a Max Ophüls, quien saca lo mejor de ella superando sus actuaciones con Hitchcock.
Acompañando a la actriz el actor Louis Jourdan, un magnifico galán, pero interprete limitado, sin embargo resulto muy adecuado como un hombre superficial que acaba arruinado y degradado.
Definida como “una película protagonizada por una mujer fuerte”, el personaje de Lisa a pesar de toda su vulnerabilidad posee una gran fuerza, que la hace abandonar a su familia, para vivir su propia vida y un amor imposible, toma todo tipo de decisiones aunque estas no sea del todo acertadas, habla de muchas verdades y situaciones difíciles con toda sinceridad.
El estreno americano del film no fue particularmente entusiasta, todo lo contrario en Europa sobre todo en Francia convirtiendo al director en un autor de culto.
Max Ophüls en Hollywood
El director alemán huyendo del nazismo, tuvo un exilio en América , entre los años 1941-1949, donde no le fue nada fácil rodar, realizo además de su obra maestra “Carta de una desconocida” dos películas muy interesantes “Caught” y “The Reckless Moment” , una visión de América vista por un europeo. Clasificadas dentro de cine negro con un ambiente de pesadilla, y un experto en la construcción de personajes femeninos , crea dos personajes que cargan con dramas conyugales y policiales.
Lo que le interesaba a Ophüls era trabajar la estética noir norteamericana, y expresar el retrato psicológico de la mujer en situaciones límites, con ello desmontar el famoso “sueño americano” y criticar su modelo de vida.
Ophüls , con su cámara y las técnicas noir busca la verdad que se oculta tras la apariencia. Tuvo la oportunidad de contar con dos actrices de la talla de Barbara Bel Geddes y Joan Bennett.
Caught (1949)
Película basada en una novela de Libbie Block, con un guion del prestigioso Arthur Laurents, cuyo tema principal es el poder del capital, el matrimonio y el American dreams, con un punto melodramático y una mirada femenina, con una estética noir.
Protagonizada por la actriz teatral Barbara Bel Geddes, James Mason y Robert Ryan.
La historia gira en torno a Maud Ames quien llega a Hollywood desde su Denver natal, para triunfar como modelo, pero su objetivo básico es encontrar un marido rico, se produce una transformación en la su vida cambiando de nombre por uno más sofisticado Leonora y asiste a una escuela de modelos y cambiar sus aires provincianos y convertirse en una chica de mundo.
Del sueño a la pesadilla
Leonora ve colmada sus ambiciones cuando se casa con el multimillonario Smith Ohlrig (Robert Ryan) un hombre cuya autoridad y seriedad esconde una enfermedad mental como la neurosis, ante el fracaso del matrimonio la joven decide separarse y encuentra un trabajo como secretaria de un medico idealista (James Mason) y con una gran vocación. El marido , sin embargo no está dispuesto a renunciar a su mujer y trata por todos los medios de mantener su dominio sobre ella.
Robert Ryan realiza una gran interpretación como el millonario atormentado con un efectivo y magnífico trabajo.
“Caught” es un melodrama con un ambiente opresivo, próximo a la serie negra, presentando un mundo cerrado y claustrofóbico. El oscurecimiento de la historia viene principalmente del personaje encarnado de forma brillante por Robert Ryan quien le da una gran dimensión al film, con un personaje frio, sádico, cruel y despiadado.
El director aprovecha para atacar el llamado “sueño americano”, y lo consigue con un hombre millonario pero con una enfermedad mental quien convierte su matrimonio y la ostentosa mansión en una pesadilla, una especie de prisión para el personaje de Leonora.
La segunda parte de la película, es mucho más oscura cuando la protagonista está encerrada sin posibilidades de salir, y donde el marido ejerce sobre ella su poder brutal, en una atmosfera amenazadora, llena de soledad e indiferencia y opresión.
La técnica de Ophüls
El guion de Laurents y la realización de Ophüls transforma una novela bastante floja en una película muy atractiva, siendo de bajo presupuesto gracias a la desmesurada dirección y un elenco de prestigio se convierte en una obra maestra.
Un notable sentido de penetración psicológica en los personajes principales, el uso de las luces y sombras “noir” para darle un correcto tono dramático y como ya era usual en el director la cámara volátil que no se detiene ni por los suelos, ni por los techos, motivando sentimientos. Llena de secuencias interminables y profundidad de campo se convierte en un escenario barroco.
Violencia de género
Se construye la historia de la Cenicienta, que se casa con un príncipe, solo que resulta ser un psicópata y un maltratado que la humilla y tortura psicológicamente, está llena de temas escondidos y dobles lecturas. Este cuento oscuro de la Cenicienta no funciona sobre el suspendo sino sobre una forma melodramática para hacerlo más accesible al público, cuando realmente trata sobre la violencia de género y el maltrato psicológico cubierto de múltiples capas.
The Reckless Moment (1949)
Película de 1949 dirigida por Max Ophüls y producida por Walter Wanger , basada en la novela de 1947 “El Muro Blanco” de la especialista en thrillers psicológicos de gran éxito Elisabeth Sanxay Holding.
Max Ophüls , nuevamente trabaja con un genero típicamente americano como el cine “noir” o policial , pero el productor Walter Wanger no quería una película al uso , quería un tono distinto a las historias criminales.
El idealizado hogar americano
Max Ophüls consigue hacer un lúcido retrato sobre una familia típicamente norteamericana de clase media-alta con una estética “noir” sumado al melodrama protagonizado por una mujer, ya que era todo un experto en ahondar en la psicología femenina.
Lucia Harpen interpretada por Joan Bennett parece tenerlo todo , está felizmente casada con un marido que se ausenta por negocios, dos hijos y una bonita casa, tiene una vida conservadora y organizada de ama de casa , ante la ausencia de su marido asume el rol femenino y masculino de su familia. Los Harper es el ejemplo de la clase acomodada estadounidense de la época que vive en California.
Pero Lucia tendrá que lidiar con un difícil y grave asunto, su joven hija ha estado viéndose con un hombre mayor que ella y de mala calaña, el cual muere de forma accidental y esta ama de casa deberá afrontar todo con entereza, ocultar el caso, apoyar a su hija y trata con un chantajista. Es cuando descubre el otro mundo fuera del confort e idealizado hogar. El director crea a una mujer corriente que es puesta a prueba con la existencia de un crimen y un chantajista interpretado por James Mason.
Una madre en apuros
Joan Bennett convertida en “femme fatale” en los años 40 por el director alemán Fritz Lang, es ahora una ejemplar madre de familia y demuestra que puede interpretar de manera efectiva cualquier papel, su actuación está llena de matices con un papel teñido de frialdad y la contención ante la adversidad, continua con su vida cotidiana a pesar de la presión bajo la que esta.
Mayores matices posee, el personaje compuesto por James Mason, siempre refinado es la autentica figura trágica de la historia.
Pesadilla Suburbana
La película es un magnifico thriller con intriga policial típicamente americana, pero que se convierte en un estudio de costumbres con una visión muy europea, contiene el melodrama sobre una madre en apuros que se convierte en pesadilla gracias a sus elementos “noir”.
Durante su estancia en los E.U, Max Ophüls quedo fascinado por el estilo negro americano , el uso de la iluminación, los ángulos de cámara y la sombras inusuales para crear atmosfera y subjetividad y empleo todos estos elementos para elevar la tensión , la claustrofobia y el drama.
A diferencia de transcurrir en los bajos fondos este “noir” se desarrolla en una tranquila y maravillosa Balboa Island, pero donde una familia llega a la desesperación en sus vidas en el personaje de Lucia Harper. Ayudado por la fotografía en blanco y negro de Burnett Guffey este hogar se va transformando en un lugar siniestro y de desasosiego.
Como es costumbre en el director pone al servicio todo el uso del estilismo con la cámara, para crear cine barroco y sus característicos movimientos de cámara para seguir a los personajes, sus largos planos sin diálogos para mostrar los comportamientos de los protagonistas con “travellings interminables”. Como aprendió en su corta carrera en lo E.U la iluminación era otro pilar básico, para crear el ambiente al servicio de la emoción humana.
“El director propone mostrar un hogar estable , acomodado e idealizado, pero mostrando su otro reverso de apariencias menos visibles, un fondo de submundo oscuro y perverso”.